5 personnages historiques effacés du "Sgt. Couverture "Poivre"

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Jésus Christ

Lorsque l'artiste pop britannique Sir Peter Blake et son épouse de l'époque, Jann Haworth, ont développé l'idée d'un photomontage de personnes célèbres pour orner la couverture de « Sgt. Pepper », Paul McCartney, George Harrison et John Lennon leur ont donné une liste de chiffres possibles à inclure. (George Martin, qui a produit la plupart des tubes du groupe, a raconté que Ringo Starr a dit: "Tu continues, très bien" et n'a jamais fait de liste.) "John, bien sûr, s'est éloigné, comme d'habitude. Il a mis Hitler et Jésus dedans », se souvient McCartney dans une interview publiée dans le livre de Paul Du Noyer « Conversations with McCartney ». Les choix de Lennon sont venus quelques mois seulement après qu'il a déclaré à un intervieweur du London Evening Standard que les Beatles étaient "plus populaires que Jésus maintenant". La citation a suscité peu d'attention lorsqu'elle a été imprimée à l'origine en Grande-Bretagne, mais elle a fait grand bruit aux États-Unis au cours de l'été 1966 lorsqu'elle a été réimprimée dans le magazine américain pour adolescents Datebook. Les disc-jockeys qui pensaient que le commentaire était sacrilège ont refusé de jouer des chansons des Beatles, et certaines stations de radio ont même brûlé des disques et des souvenirs des Beatles dans des feux de joie. Bien que Lennon soit prêt à ressusciter la controverse pour la couverture de l'album, il a été décidé d'éviter complètement le sujet et aucune découpe en carton de Jésus n'a été commandée.

Adolf Hitler

Alors que Martin a écrit dans son livre « With a Little Help from My Friends: The Making of Sgt. Pepper" que Lennon a inclus Hitler "juste pour être un vilain garçon", l'image du leader nazi a presque fait la coupe finale. "Hitler et Jésus étaient les sujets controversés, et après ce que John a dit à propos de Jésus, nous avons décidé de ne pas aller de l'avant avec lui, mais nous avons inventé l'image d'Hitler", a déclaré Blake au journal indépendant de Londres en 2007. "Si vous regardez le photographies des prises, vous pouvez voir l'image d'Hitler dans le studio. Alors que certains instantanés de la séance photo pour la couverture de l'album montraient la découpe d'Hitler sur le côté, Blake a déclaré à l'Independent que le Fuhrer était en fait dans la pochette finale mais obscurci par les Beatles eux-mêmes. "Hitler était en fait couvert derrière le groupe", a déclaré Blake. "Il est là-bas, vous ne pouvez tout simplement pas le voir."

Mohandas Gandhi

La liste de Lennon comprenait également Gandhi comme l'un des visages suggérés pour le "Sgt. Couverture "Poivre". Une découpe du leader de l'indépendance indienne a été incluse dans la séance photo initiale, mais Sir Joseph Lockwood, président de la maison de disques EMI, craignait que la présence de Gandhi sur la couverture puisse être considérée comme un sacrilège en Inde et y compromettre les ventes d'albums. « Sortez Gandhi. Nous avons besoin du marché indien. Si nous montrons Gandhi avec Sonny Liston et Diana Dors, ils ne nous pardonneront jamais en Inde », a déclaré Lockwood à McCartney selon le livre de Philip Norman « Shout ! Les Beatles dans leur génération. Honorant les souhaits de Lockwood, une fronde de palmier stratégiquement positionnée a été utilisée pour couvrir l'image de Gandhi sur le côté droit du photomontage.

Léo Gorcey

Lorsque Lockwood a d'abord vu le concept de la couverture de "Sgt. Pepper », il a rejeté le design parce qu'il craignait que des célébrités vivantes s'opposent à l'utilisation de leurs images et poursuivent la maison de disques. Lockwood a finalement cédé tant que les Beatles ont obtenu des autorisations écrites de chaque personne vivante pour l'utilisation de leurs ressemblances sur la pochette et ont indemnisé la maison de disques de 20 millions de livres pour se prémunir contre les poursuites. Lorsque les Beatles ont contacté les célébrités pour obtenir leur autorisation, une seule a demandé une indemnisation : l'acteur Leo Gorcey, qui, enfant, a joué le rôle de leader des Dead End Kids avant d'apparaître dans les films Bowery Boys dans les années 1940 et 1950. Gorcey, qui a demandé 500 $ pour l'utilisation de son image, était à l'origine apparu dans la rangée arrière sur la couverture de l'album à gauche de son compatriote Bowery Boy Huntz Hall, mais les Beatles l'ont simplement purgé de la version finale et ont peint son image avec ciel bleu. « Nous avons pensé : « Vous savez quoi, nous avons assez de monde ici ! » » McCartney s'est souvenu de la réaction du groupe à la demande de Gorcey dans une interview sur son site Web.

Elvis Presley

Alors que l'image du contemporain musical Bob Dylan apparaît sur le "Sgt. Pepper" avec une poupée Shirley Temple portant un pull qui dit "Welcome the Rolling Stones", il n'y a aucune référence à l'une des plus grandes influences musicales des Beatles - Elvis Presley. "Je suis un fan d'Elvis", a déclaré Lennon dans une interview télévisée, "parce que c'est Elvis qui m'a vraiment fait sortir de Liverpool." Les Beatles ont placé Presley sur un piédestal si haut qu'ils ne voulaient pas qu'il soit juste un autre visage dans la foule sur le "Sgt. "Elvis était trop important et trop au-dessus des autres pour même le mentionner", a déclaré McCartney. « Il était plus qu'un chanteur pop. Il était Elvis le roi.


Liste des images sur la couverture de Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts

L'album 1967 des Beatles Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts a une couverture d'album largement reconnue qui représente plusieurs dizaines de célébrités et d'autres images. L'image a été réalisée en posant les Beatles devant des photographies en noir et blanc grandeur nature collées sur un panneau dur et teintées à la main. [1]

Il a été créé par Jann Haworth et Peter Blake, qui en 1967 ont remporté le Grammy Award de la meilleure couverture d'album, Arts graphiques pour leur travail dessus. [2] Blake a dit que l'intention était de montrer un nouveau groupe entouré de fans après une représentation. [1] [3]

J'ai suggéré qu'ils venaient de jouer un concert dans le parc. Ils posaient pour une photo et la foule derrière eux était une foule de fans qui avaient assisté au concert. Après avoir décidé cela, alors, en faisant des découpes, les fans pourraient être n'importe qui, mort ou vivant, réel ou fictif. Si nous voulions Hansel et Gretel, je pourrais les peindre et ils pourraient être photographiés et agrandis. J'ai demandé une liste aux quatre Beatles et j'en ai fait une moi-même. Robert Fraser a fait une liste et je ne me souviens pas si Brian Epstein en a fait une ou non. La façon dont cela a fonctionné était fascinante. John m'a donné une liste et Paul aussi. George n'a suggéré que des gourous indiens, environ six d'entre eux, et Ringo a dit: "Tout ce que les autres disent, ça me va" et n'a suggéré personne. C'est un aperçu de leurs personnages. Toutes sortes de personnes ont été suggérées. Hitler était là, il est en fait dans le set-up, mais il est couvert par les Beatles eux-mêmes car nous avons estimé qu'il était trop controversé. La même chose s'appliquait à Jésus. Il n'y avait que deux de leurs contemporains sur la couverture. Bob Dylan a été suggéré par John et j'ai mis Dion parce qu'il est l'un de mes grands favoris. [4]


Texte intégral

1 Performant une recherche internet basique de Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts Club (1967), des dizaines de milliers de hits arrivent. Tous les succès font référence à l'album dans l'une ou l'autre des deux catégories : en tant que projet musical avec des innovations inégalées, déclenchant d'énormes changements dans l'industrie de la musique, et la seconde - bien qu'en fin de compte liée - en tant que marchandise, symbole des Beatles et de la culture des années 1960. Dans les deux cas, la prévalence même de cette image esquisse un cadre pour comprendre la pertinence culturelle non seulement des Beatles, mais de Sgt. Poivre lui-même. De tous les projets des Beatles, celui-ci recueille plus de « temps d'antenne » et de presse que tout autre, peut-être parce qu'il est largement considéré comme un album de « premières » : la première pochette gatefold, le premier album à imprimer les paroles sur la couverture , le premier « concept album », le premier album à déclarer ouvertement son implication dans le psychédélisme libéral des années 60 (Harry, 1992 : 970). Quelle que soit la raison, une chose est claire : Sgt. Poivre est devenu l'étalon-or pour les musiciens, mettant la barre haute en matière d'innovation musicale et d'art de couverture distinctif.

2 Toute lecture de Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts Club semble se concentrer sur l'ambiguïté. C'est-à-dire que le sentiment de confusion qui imprègne les années 1960 s'est apparemment infiltré dans les analyses de ses artefacts culturels. Je dis cela parce que les critiques traitant Sgt. Poivre soulignent les façons dont l'album chevauche deux positions sociales à la fois : comme un morceau de culture pop, mais un texte intellectuellement provocateur et évidemment politique. Lorsque les critiques l'examinent, ils ont tendance à privilégier les innovations musicales sur les éléments visuels. Dans « Covering Music: A Brief History and Analysis of Album Cover Design », les critiques Steve Jones et Martin Sorger déplorent le manque d'érudition sur les pochettes d'album, observant que la pochette d'album « n'est jamais comprise en termes purement fonctionnels, ou comme une forme de conception graphique » (1999 : 68). Étant donné que « la musique populaire s'est de plus en plus appuyée sur le style visuel pour se présenter et se vendre » (Sorger et Jones, 1999 : 68), ils examinent largement les conditions et la production des pochettes d'album depuis leur création dans les années 1930 en tant que couvertures protectrices pour les disques, appelés « slicks », à la prolifération des graphiques et des éléments de conception complexes dans les années 1960. Sorger et Jones identifient le développement du LP (ou disque longue durée) en 1948 comme le moment où les pochettes d'album sont devenues des éléments importants de l'industrie du disque. Un autre facteur important dans l'émergence du développement de la couverture de l'album était le lien entre le rock primitif et les films. les étoiles – pour rehausser leur design.

3 Sorger et Jones identifient la photographie comme un élément clé de la conception de la couverture de l'album, la nature représentative du support correspond bien aux objectifs de la couverture de l'album qui, comme le note Ian Inglis dans « Nothing You Can See that Can't Be Shown : The Les pochettes d'album des Beatles » devaient protéger l'enregistrement, accompagner la musique, faire la publicité du groupe et servir d'objet d'achat, de marchandise (Inglis, 2001 : 83). La photographie a aidé à vendre le groupe et à l'offrir comme une marchandise, les pochettes d'album sont venues « remplacer » le groupe et la musique à l'intérieur. Le groupe interprète la musique, mais comme nous ne pouvons pas acheter le groupe lui-même, nous achetons leur représentation sous forme de photographie sur une pochette d'album. Sorger et Jones notent cependant que la forte dépendance à l'égard de la photographie a commencé à s'estomper à la fin des années 1960. Une fois que la culture psychédélique a conduit à l'art psychédélique, « la photographie a suivi l'illustration et le collage dans l'exploration de nouvelles utilisations et combinaisons. Des images énigmatiques ont remplacé la nature informative et documentaire de la couverture d'un album photographique typique » (Sorger, Jones, 1999 : 77). Ils ont considéré ce changement comme un changement important dans la conception des pochettes d'albums, car il a lancé la tendance que nous voyons aujourd'hui (77). Cette tendance commence sérieusement avec Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts Club, non seulement parce qu'il incorporait divers éléments visuels dans sa conception, mais aussi parce qu'il ne s'appuyait pas sur la « nature informative et documentaire » de la photographie. Au lieu de cela, Sorger et Jones prétendent, Sgt. Poivre dépendait de subvertir et changer ces tropes familiers.

4 On voit comment Sgt. Poivre change la façon dont nous voyons la photographie simplement en regardant la foule de gens en arrière-plan. Avant cet album révolutionnaire, les photographies des membres du groupe occupaient le devant de la scène, à la fois pour les disques en général et pour les Beatles. Les images des membres du groupe ont aidé à solidifier le lien entre la musique et le groupe, elles ont donné un « visage » à l'expérience d'écoute. Ils ont également servi de moyen de « marquer » la musique. Les acheteurs de disques ont appris à associer les quatre Beatles - et leurs coupes de cheveux hirsutes, leurs bottines et leurs costumes sans col - à la musique qu'ils ont produite. Dans un certain sens, la dépendance des pochettes d'album à la photographie a confondu la relation entre la musique et l'image jusqu'au point de non-retour : il était pratiquement impossible de ne pas immédiatement associer le charmant sourire narquois de Paul McCartney à son espiègle saccharine « All My Loving ». Cependant, Sgt. Poivre perturbe cette notion en ne montrant jamais un photographier des Beatles sur sa couverture. Bien qu'ils apparaissent dans deux itérations différentes sur la couverture, ils sont représentés comme des mannequins de cire – des représentations en trois dimensions qui contrastent immédiatement avec les photographies en deux dimensions derrière eux – et les « vrais » Beatles eux-mêmes se tenant au centre de la foule. De plus, les « vrais » Beatles sont déguisés en membres du fictif Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, portant des combinaisons en satin de couleur néon. Les deux représentations des Beatles contrastent nettement avec les découpes presque fantomatiques de leurs «héros» et semblent suggérer les limites de la photographie en termes de capacité à représenter la réalité. Les découpes photographiques des héros d'hier et d'aujourd'hui n'offrent pas le même genre d'identification facile et immédiate que permet la simple reconnaissance des Beatles. Au contraire, les Beatles eux-mêmes sont presque perdus dans la mer de gens, laissant le spectateur se demander à qui appartient ce record. La seule complexité de l'image requiert une relation différente entre le spectateur et l'image, l'album et le groupe, la représentation et l'identité.

5 Ian Inglis attire notre attention sur la complexité intellectuelle via l'excès visuel de l'album. Juger Sgt. Poivre un « moment décisif dans l'histoire de la civilisation occidentale » (Inglis, 2001 : 87) Inglis souligne son importance en tant que « correspondance visuelle-musicale remarquable » (87). En dehors de ses autres innovations, Inglis décrit la couverture comme la première à « s'offrir spécifiquement comme objet d'investigation et d'analyse manifestes identifiant les personnages […] figurant dans le tableau est devenu un jeu populaire et un exercice intellectuel » (92). Pour Inglis, Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts ClubL'importance majeure de 's réside dans la manière dont il invitait le spectateur/auditeur à entrer dans l'album. L'identification des personnages nécessitait un regard actif et un examen minutieux, ce qui obligeait à son tour le spectateur à avoir un intérêt personnel dans l'image, au lieu de la rejeter plus passivement comme accessoire ou accompagnement de la musique qu'elle contenait. Dans un certain sens, l'analyse d'Inglis nous amène à croire qu'après Sgt. Poivre, les pochettes d'album pouvaient devenir bien plus que des accompagnements de musique, elles devenaient des critiques sociales, politiques et culturelles qui nécessitaient l'implication du public.

6 L'essai d'Inglis présente trois manières de lire une pochette d'album qui offrent un meilleur aperçu des innovations visuelles de Sgt. Poivre: comme textes visuels, comme liens entre l'image visuelle et la musique, et comme marqueurs d'influence au sein de la communauté musicale. Comme beaucoup de travail a déjà été fait sur ces deux dernières catégories, je vais les laisser de côté et considérer l'album comme un texte visuel. En tant que tel, Sgt. Poivre confère de nouvelles identités au groupe en tant que membres des mouvements sous-culturels de plus en plus répandus des années 1960. Vu les deux représentations des Beatles sur la pochette, on peut comprendre que Sgt. Poivre marque la « rupture définitive des Beatles avec l’industrie de la musique pop » (Inglis, 2001 : 87). Vue sous cet angle, la pochette de l'album en tant que texte visuel présente une sorte d'auto-critique, à la fois en tant que forme de marchandise et en tant que représentation de l'identité du groupe.

7 La compréhension qu'ont les Beatles de leur propre identité culturelle, à la fois en tant que stars de la pop et en tant qu'artistes musicaux issus de la classe ouvrière, joue un grand rôle dans la compréhension de la valeur de Sgt. Poivre comme texte visuel. Pour emprunter la lecture de Kenneth Womack et Todd F. Davis de Sgt. Poivre dans « Mythology, Remythology, and Demythology : The Beatles On Film », la « couverture de l'album représente les anciens soi mythologiques du groupe debout à droite de leurs homologues contemporains remythologisés, eux-mêmes entourés de personnages mythifiés de la même manière des annales de l'histoire, de la religion, d'Hollywood, musique, sports et littérature » (2006 : 104). Womack et Davis notent également que ces représentations « remythologisées » « préfigurent les identités nouvellement mythifiées que le groupe donnerait [plus tard] vie », tout en « reconnaissant les contraintes inhérentes au processus de mythification lui-même » (104). Lorsque Womack et Davis se réfèrent à la « mythologie », ils désignent la manipulation consciente et consciente d'identités culturelles particulières – que ce soit en tant que super icônes de l'industrie pop ou pionniers de la contre-culture psychédélique – dans le but d'exposer leur évidente complicité et leur rejet de ces identités. En bref, Womack et Davis suggèrent que les Beatles ont subi trois étapes dans lesquelles leur identité était en jeu, et qu'ils ont activement recadré ces identités en fonction de leurs projets à l'époque. J'invoque Womack et Davis parce que je pense qu'il approche le plus efficacement le type de critique que je souhaite interpréter, bien qu'il soit insuffisant dans la mesure où il repose trop fortement sur l'interaction entre la musique et la couverture de l'album.


Derrière les Sonics : les Beatles, ‘Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band’

L'emblème des Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band était l'un des albums les plus percutants, expérimentaux et appréciés de tous les temps, et un changement de paradigme en termes de ce que les albums pouvaient faire. La plupart des albums avant cela étaient essentiellement des collections de singles. L'idée d'un album concept dans lequel toutes les chansons étaient unifiées symphoniquement, toutes les pièces s'assemblant pour former un tout était rare avant Pepper. La nuit enfumée de Sinatra dans Les petites heures était un concept naissant, tout comme Belafonte’s Calypso album. Mais les deux sont des exceptions.

Les Beatles ont créé un tout nouveau type d'album concept, car ils ont également écrit tout le matériel. Leur composition, toujours remarquablement sophistiquée et chromatique musicalement, s'est étendue à de nouveaux domaines d'éclat lyrique, à la fois traditionnellement narratifs et courageusement surréalistes. L'idée était de créer un album qui ne ressemble à rien de ce qui a précédé, et c'est exactement ce qu'ils ont fait.

Remarquablement, il a été réalisé sur un équipement d'enregistrement qui, selon les normes d'aujourd'hui, était obscur et extrêmement restrictif : l'analogique à quatre pistes.Qu'ils aient créé un chef-d'œuvre sonore avec cette technologie illustre le vieil adage : les limitations créent des possibilités. Bien que Sgt. Poivre est souvent présenté comme le triomphe des Beatles malgré ces limitations , en fait, il semble plus exact de dire qu'ils ont triomphé à cause de ces limites techniques. Ce qu'ils ont fait n'était pas seulement inspiré, c'était ingénieux. La créativité collective du groupe avec Martin et Emerick s'est étendue dans toutes les directions pendant la réalisation de l'album. Plutôt que d'être gênés par les restrictions technologiques, ils ont atteint un endroit où tout semblait possible.

L'exemple le plus célèbre est celui de Lennon’s “Champs de fraises pour toujours,” (qui, avec "Penny Lane" de McCartney, étaient les deux premières chansons enregistrées pour ce projet, mais finalement exclues car elles étaient sorties en single), Lennon aimait deux prises distinctes de la chanson, l'une était légère, et l'autre assez lourd. Il a dit à Martin et Emerick qu'il voulait utiliser la moitié de l'un et la moitié de l'autre. Lorsqu'on lui a dit que la fusion des deux était impossible, John a ri et leur a dit qu'ils allaient le découvrir. Rien n'est impossible. Et ils l'ont fait.

Donc, l'idée d'être restreint n'a pas figuré dans cela. Plusieurs dynamiques leur ont permis de comprendre cela. Pour commencer, c'était la première fois que les Beatles pouvaient faire une pause dans leurs tournées pour se concentrer uniquement sur l'enregistrement. Le studio lui-même est devenu un autre instrument à utiliser par les Beatles et, en travaillant avec Martin et Emerick, la production est devenue aussi brillante et nouvelle que les chansons elles-mêmes.

Pour tenter d'expliquer l'impact de la technologie sur l'art et la science de l'enregistrement musical, et analyser comment les limites ont été dépassées, nous nous sommes entretenus avec plusieurs experts. Il s'agit notamment de l'ingénieur Al Schmitt, lauréat de 22 Grammy Awards, décédé la semaine dernière. Étant donné qu'il était le roi de l'enregistrement en direct, son estimation de Poivre était particulièrement fascinant.

“Cela m'a donné l'idée que tu peux essayer n'importe quoi.,” il a dit à propos de Poivre. “Cela a changé notre façon de penser les choses.”

Voici la liste complète des luminaires :

Al Schmitt (ingénieur-producteur Bob Dylan, Paul McCartney, Frank Sinatra)
Steve Lukather (guitariste-compositeur Toto, Ringo’s All-Starr Band)
Nancy Wilson (guitariste-compositeur, Heart, Roadcase Royale)
Bob Ezrin (ingénieur-producteur Alice Cooper, Pink Floyd)
Ed Cherney (ingénieur-producteur-mixeur Brian Wilson, Rolling Stones, Eric Clapton
Butch Vig (producteur Nirvana, Foo Fighters)
Al DiMeola (guitariste de jazz légendaire)

Voici ce qu'ils avaient à dire :

Bob Ezrin : C'était la première fois que nous comprenions vraiment le studio comme un puissant instrument de composition, et pas seulement comme un lieu insonorisé qui capturait les performances. Soudainement, ceux d'entre nous qui faisaient de la musique ont réalisé qu'il y avait un niveau d'expression supérieur à notre disposition grâce à l'utilisation créative de la technologie.

Nancy Wilson : [Les Beatles] inventaient essentiellement l'enregistrement multipiste. Ils étaient donc à la planche à dessin et créer quelque chose complètement nouveau qui n'était jamais arrivé auparavant. George Martin était un génie et leur muse, car il n'avait pas peur d'essayer toutes les choses folles, insensées et impossibles qu'ils voulaient.

Ed Cherney : Avant cela, vous aviez beaucoup de gars dans la pièce, et votre mission était de recréer ce qui s'est passé dans la pièce. C'était différent. C'était à peu près pliant réalité, et en essayant d'en faire une dimension différente. La première fois que nous avons entendu cela et réalisé qu'il y avait un studio, cela m'a ouvert les yeux. Mon la bonté, il y a une toute autre forme d'art à la façon dont ils le font.

Bob Ezrin : Cela m'a fait penser au studio comme à un instrument de magie. Je n'ai jamais voulu être un enregistreur, juste capturer les performances des gens. J'ai toujours voulu être un sorcier, créant des expériences plus grandes que nature à partir de la musique et du son.

Butch Vig : Toutes les personnes impliquées étaient au sommet de leur art : George Martin n'arrêtait pas de hausser la barre avec la production et les arrangements, Emerick repoussait les limites avec ses prouesses d'ingénierie révolutionnaires, et les Beatles atteignaient vraiment leur apogée.

Ed Cherney :
Les Beatles ont créé Sgt. Poivre sachant qu'ils n'auraient jamais à le jouer en direct, et ils ont utilisé cette liberté comme une opportunité d'aller au-delà des attentes des gens. Nous sommes passés de "Combien vaut ce chien dans la fenêtre", en très peu de temps, à cela. C'était un spectaculaire saut en termes d'art et de courage.

Butch Vig : À l'heure du numérique, il est absolument incroyable de penser qu'il a été enregistré sur 4 pistes.

Ed Cherney : À l'aide d'un 4 pistes, ils enregistreraient trois pistes d'informations, puis les reporteraient sur la quatrième piste pour ouvrir davantage de pistes. Donc, ils rebondissaient et se mélangeaient constamment entre les deux. C'est un tour de force d'ingénierie de Geoff Emerick.

Al DiMeola
: Emerick et d'autres techniciens d'Abbey Road ont été maîtrise au transfert de pistes, le rebond. Vous devez les faire rebondir au plus haut niveau sans distorsion, et cela ne peut pas être annulé. Et ils ont fait ça magistralement.

Al Schmitt: Normalement, lorsque vous enregistrez sur une bande 4 pistes et effectuez de nombreux rebonds, vous commencez à accumuler un parcelle de sifflement. Il faut avoir les soldes parfait. Une fois que vous l'avez renversé et ajouté quelque chose d'autre, vous ne pouvez pas le refaire. C'était incroyable pour nous, nous ne savions pas comment Emerick l'avait fait.

Al Schmitt au Capitole, 2017. Photo de Paul Zollo/auteur-compositeur américain

Bob Ezrin : Une fois que quelque chose avait rebondi dans le maître principal, cela aurait été un long chemin pour l'annuler. Ils ont donc été obligés d'expérimenter d'abord, puis de décider de ce qui fonctionnait et de ce qui ne fonctionnait pas à chaque étape qu'ils franchissaient en cours de route.

Al DiMeola : S'offrant le luxe de ne pas avoir à se déplacer, leur travail quotidien allait au studio tous les jours. Imaginez avoir ce merveilleux cadeau. Aucun autre groupe ne pouvait le faire. Ce temps supplémentaire accordé en studio, sans les pressions de la route, leur a permis d'expérimenter des sons, d'amener la musique à un autre niveau, dans des endroits que nous n'avions jamais entendus auparavant.

Nancy Wilson : Ils n'auraient pas pu faire Sgt. Poivre alors qu'ils étaient encore en tournée. Lorsque vous êtes sur la route, il est vraiment difficile d'atteindre cet endroit exalté où vous devez être pour faire de bons disques. Il est épuisant. Ils devaient s'éloigner de la folie, des hordes hurlantes de partout. Ils ont donc sagement quitté la route pour entrer dans le studio dans le but d'explorer et d'amener toutes ces masses avec eux. Ils savaient qu'ils avaient l'oreille du monde, alors ils ont travaillé très dur pour apporter quelque chose d'authentique, de rafraîchissant et de nouveau.

Ed Cherney :
Parce qu'il a été enregistré sur 4 pistes, cela signifie que toutes leurs performances étaient excellentes de haut en bas. Les solos, les voix, chaque note, chaque performance, tout devait être parfait et non reconstitué comme nous le faisons maintenant. Je ne sais pas comment ils ont fait, mais cela m'a profondément affecté. “/”


Al DiMeola :
Je réfléchis toujours à la énormité du son, en grande partie grâce au gros son analogique du quatre pistes. Lorsque vous enregistrez une guitare acoustique analogique, elle sonne fort et a de la présence. Moins il y a de pistes, plus l'espace de la bande est large, plus le son est gros. L'analogique a un son beaucoup plus percutant et plus gras. Écoutez le violoncelle. Il y a non manière n'importe qui va obtenir un son de violoncelle aussi gros. Ou la façon dont la voix de John sonne comme si elle était là avec vous, si grande.

Bob Ezrin :
Le médium leur offrait des possibilités infinies. Mais cela exigeait également qu'ils façonnent chaque partie et chaque performance pour qu'elle joue son rôle particulier dans leur concept global. Cela signifiait avoir une intention claire pour chaque chanson avant de commencer et ne s'engager que sur des choses qui faisaient réellement fonctionner la chanson.

Ed Cherney :
La technologie à l'époque semblait étonnante. Une grande partie de l'équipement était fait à la main et avait un son spécifique qui était riche et plein. Ils ont fait parler le bas de gamme d'une manière que nous n'avions jamais entendue parler du bas de gamme auparavant. Ils ont étendu la technologie plus que quiconque auparavant. Je n'ai jamais entendu de batterie ou de rythme comme ça, et les basses si claires, et musicalement ça se sent si bien.

Al Schmitt :
Cela m'a donné l'idée que vous pouvez essayer n'importe quoi. Tout ce qui a fonctionné. C'est ce qui m'a tant apporté, qu'ils ont expérimenté et choisi le meilleur de ce qu'ils ont fait. Cela a changé notre façon de penser les choses.

Butch Vig :
J'ai référencé les idées de production sur Sgt. Poivre plusieurs fois, consciemment ou inconsciemment. Il y avait tellement d'astuces de studio révolutionnaires qu'ils utilisaient qui sont toujours d'actualité aujourd'hui.

Ed Cherney : Dans mon propre travail, j'essaie de remplir les haut-parleurs comme ils l'ont fait. De plus, tous les quatre bars, il y a un événement. Vous ne vous êtes jamais ennuyé. Il y avait toujours une surprise. Peu importe combien de fois vous l'avez écouté, il y avait autre chose pour attirer votre attention, vous divertir et vous garder dans la musique et le moment. Cela pourrait être un tambourin entrant, cela pourrait être une wah-wah. Il y avait toujours quelque chose, et on ne s'ennuyait jamais à écouter.

Steve Lukather : Une fois qu'ils ont renoncé à jouer en direct, ils savaient qu'ils pouvaient tout faire, car ils n'avaient pas à le jouer en direct. Ils ont créé un nouveau style de fabrication de disques. Ils ont pris le studio au sérieux. C'étaient des pros et ils voulaient bien faire les choses. Ils avaient une idée et ils avaient là-bas George Martin et Geoff Emerick pour les aider à la concrétiser, à réaliser la vision ultime de tout cela. Ils ont poussé leur créativité au-delà de ce qui avait été imaginé auparavant.

Al Schmitt : Je l'écoute aujourd'hui, et ça sonne toujours aussi incroyable, sinon plus. Le son de la chose – les sons eux-mêmes – me ravissent toujours absolument. La magie de Sgt. Poivre est toujours.


Création du sergent des Beatles. Couverture du groupe Pepper's Lonely Hearts Club

Hitler à gauche (une blague de Lennon pour choquer), plus tard, s'est juste levé lorsque les têtes plus froides ont prévalu. Gandhi à droite, supprimé à l'aérographe de la photo finale alors qu'EMI pensait que leurs marchés indiens seraient offensés de le banaliser sur un album pop.

J'ai toujours pensé que c'était juste un collage. C'est incroyable qu'ils l'aient tourné comme ça.

Le mur du fond est un collage, d'après l'apparence de la photo. On dirait qu'ils ont fait un collage et ont posé de vraies personnes devant !

Je ne sais pas si c'est leur meilleur travail, mais il est définitivement éclipsé ces jours-ci par Revolver, Abbey Road, le White Album, etc.

Contient A Day in the Life, ma chanson préférée des Beatles de tous les temps.

Je souhaite qu'il y ait un moyen d'obtenir la couverture originale avec des personnages qui ont ensuite été effacés à cause de plaintes et de choses

Je me souviens quand les collégiennes jetaient leur affection sur les garçons vus avec le Sgt. Poivre's Lonely Hearts Club Band art de couverture. Qui comme moi a eu une histoire avec un San Francisco Summer of Love 'happening'. Je n'ai trouvé que l'avant de mon véhicule peint avec de la prose violette. Bonjour ?


Contenu

Au début de 1967, une rumeur a circulé à Londres selon laquelle Paul McCartney avait été tué dans un accident de la circulation alors qu'il circulait sur l'autoroute M1 le 7 janvier. [1] La rumeur a été reconnue et réfutée dans le numéro de février de Le livre des Beatles, un fanzine. [1] McCartney a ensuite fait allusion à la rumeur lors d'une conférence de presse organisée autour de la sortie de Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts en mai. [2] [ meilleure source nécessaire ] En 1967, les Beatles étaient connus pour inclure parfois le backmasking dans leur musique. [3] L'analyse de leurs paroles pour le sens caché était aussi devenue une tendance populaire aux États-Unis. [4] En novembre 1968, leur double LP éponyme (également connu sous le nom de "White Album") est sorti contenant le morceau "Glass Onion". John Lennon a écrit la chanson en réponse à "gobbledygook" dit à propos de Sgt. Poivre. Dans une interview ultérieure, il a déclaré qu'il confondait délibérément les auditeurs avec des phrases telles que "le morse était Paul" - une référence à sa chanson "Je suis le morse" de l'EP et de l'album de 1967. Visite Mystère Magique. [5]

Le 17 septembre 1969, Tim Harper, rédacteur en chef du Drake Times-Delphic, le journal étudiant de l'Université Drake à Des Moines, Iowa, a publié un article intitulé « Le Beatle Paul McCartney est-il mort ? L'article traitait d'une rumeur circulant sur le campus qui citait des indices d'albums récents des Beatles, y compris un message interprété comme « Allume-moi, homme mort », entendu lorsque la piste de l'album blanc « Révolution 9 » est jouée à l'envers. La couverture arrière de Sgt. Poivre, où tous les Beatles, à l'exception de McCartney, sont photographiés face au spectateur, et la couverture de Visite Mystère Magique, qui représente un membre du groupe non identifié dans un costume de couleur différente des trois autres. [6] Selon la journaliste musicale Merrell Noden, Harper's Drake Times-Delphic a été le premier à publier un article sur la théorie du « Paul est mort ». [7] [nb 1] Harper a dit plus tard que c'était devenu le sujet de discussion parmi les étudiants au début de la nouvelle année universitaire, et il a ajouté : « Beaucoup d'entre nous, à cause du Vietnam et du soi-disant Établissement, prêt, disposé et capable de croire à peu près n'importe quelle sorte de complot." [7]

Fin septembre 1969, les Beatles sortent l'album Route de l'Abbaye car ils étaient en train de se séparer. [9] Le 10 octobre, l'attaché de presse des Beatles, Derek Taylor, a répondu à la rumeur en déclarant : « Récemment, nous avons reçu un flot de demandes de renseignements sur les informations selon lesquelles Paul est mort. des années, bien sûr, mais au cours des dernières semaines, nous les avons reçus au bureau et à la maison nuit et jour. Je reçois même des appels téléphoniques de disc-jockeys et d'autres aux États-Unis. " [10] [11] Tout au long de cette période, McCartney s'est senti isolé de ses camarades de groupe dans son opposition à leur choix de directeur commercial, Allen Klein et désemparé à l'annonce privée de Lennon qu'il quittait le groupe. [12] [13] Avec la naissance de sa fille Mary à la fin d'août, McCartney s'était retiré pour se concentrer sur sa vie de famille. [14] Le 22 octobre, le jour où la rumeur "Paul est mort" est devenue un reportage international, [15] McCartney, sa femme Linda et leurs deux filles ont voyagé en Écosse pour passer du temps dans sa ferme près de Campbeltown. [16]

Le 12 octobre 1969, un appelant de la station de radio de Détroit WKNR-FM a informé le disc-jockey Russ Gibb de la rumeur et de ses indices. [7] Gibb et d'autres appelants ont discuté alors de la rumeur à l'antenne pendant l'heure suivante, [17] au cours de laquelle Gibb a offert d'autres indices potentiels. [18] Deux jours plus tard, Le Quotidien du Michigan a publié une critique satirique de Route de l'Abbaye par l'étudiant de l'Université du Michigan Fred LaBour, qui avait écouté l'échange sur l'émission de Gibb, [7] sous le titre "McCartney Dead New Evidence Brought to Light". [19] [20] Il a identifié divers indices de la mort de McCartney sur les couvertures d'albums des Beatles, en particulier sur le Route de l'Abbaye manche. travail a déclaré plus tard qu'il avait inventé de nombreux indices et a été étonné lorsque l'histoire a été reprise par les journaux à travers les États-Unis. [21] Noden écrit que "Très bientôt, chaque campus universitaire, chaque station de radio, avait un expert résident." [7] WKNR a encore alimenté la rumeur avec son programme de deux heures Le complot des Beatles, diffusé pour la première fois le 19 octobre.

L'histoire a rapidement été reprise par des stations de radio plus traditionnelles de la région de New York, WMCA et WABC. [22] Aux premières heures du 21 octobre, le disc-jockey WABC Roby Yonge a discuté de la rumeur à l'antenne pendant plus d'une heure avant d'être retiré de l'antenne pour rupture de format. À cette heure de la nuit, le signal de WABC couvrait une large zone d'écoute et pouvait être entendu dans 38 États américains et, parfois, dans d'autres pays. [23] Bien que le bureau de presse des Beatles ait nié la rumeur, le retrait atypique de McCartney de la vie publique a contribué à son escalade. [24] Vin Scelsa, un radiodiffuseur étudiant en 1969, a déclaré plus tard que l'escalade était révélatrice de l'influence contre-culturelle de Bob Dylan, des Beatles et des Rolling Stones, puisque : « Chaque chanson d'eux - à partir de la fin de 1966 - est devenue un message, digne d'un examen minutieux sans fin . ils étaient des lignes directrices sur la façon de vivre votre vie. " [7]

La WMCA a envoyé Alex Bennett au quartier général de l'Apple Corps des Beatles à Londres le 23 octobre [25] pour poursuivre sa couverture étendue de la théorie de « Paul est mort ». [22] [26] Là, Ringo Starr a dit à Bennett: "Si les gens vont le croire, ils vont le croire. Je peux seulement dire que ce n'est pas vrai." [25] Dans une interview à la radio avec John Small de WKNR, Lennon a déclaré que la rumeur était « insensée » mais une bonne publicité pour Route de l'Abbaye. [27] [nb 2] La nuit d'Halloween 1969, WKBW à Buffalo, New York a diffusé un programme intitulé Paul McCartney est bien vivant – peut-être, qui a analysé les paroles des Beatles et d'autres indices. Les DJ de WKBW ont conclu que le canular « Paul est mort » avait été fabriqué par Lennon. [29]

Avant la fin octobre 1969, plusieurs sorties de disques avaient exploité le phénomène de la disparition présumée de McCartney. [22] Ceux-ci comprenaient "La Ballade de Paul" par le Mystery Tour [30] "Brother Paul" par Billy Shears et les All Americans "So Long Paul" par Werbley Finster, un pseudonyme pour José Feliciano [31] et Zacharias and His "Nous sommes tous des porteurs de Paul (parties un et deux)" de Tree People. [32] Une autre chanson était "Saint Paul" de Terry Knight, [22] qui avait été un coup mineur en juin de cette année et a été par la suite adopté par les stations de radio comme un hommage à "feu Paul McCartney". [33] [nb 3] Selon un rapport en Panneau d'affichage magazine début novembre, Shelby Singleton Productions prévoyait de publier un LP documentaire de segments radiophoniques discutant du phénomène. [35] Au Canada, Polydor Records a exploité la rumeur dans son œuvre pour Très ensemble, un reconditionnement des enregistrements pré-célèbres des Beatles avec Tony Sheridan, utilisant une couverture qui montrait quatre bougies, dont l'une venait d'être éteinte. [36]

Les partisans de la théorie ont soutenu que, le 9 novembre 1966, McCartney s'est disputé avec ses camarades de groupe lors d'une session d'enregistrement des Beatles et est parti en colère dans sa voiture, s'est écrasé et a été décapité.[22] [37] Pour épargner au public le chagrin, ou simplement comme une blague, les Beatles survivants l'ont remplacé par le gagnant d'un concours de sosie de McCartney. [22] Ce scénario a été facilité par la récente retraite des Beatles du spectacle vivant et par leur choix de se présenter avec une nouvelle image pour leur prochain album, Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts. [38]

Dans le récit de LaBour, le remplaçant était un « orphelin d'Édimbourg nommé William Campbell » que les Beatles ont ensuite formé pour se faire passer pour McCartney. [7] D'autres ont soutenu que le nom de l'homme était William Shears Campbell, plus tard abrégé en Billy Shears, [39] et le remplacement a été demandé par le MI5 britannique par souci de la grave détresse que la mort de McCartney causerait au public des Beatles. [40] Dans ce dernier récit, on a dit que les Beatles survivants étaient ravagés par la culpabilité de leur duplicité et ont donc laissé des messages dans leur musique et les illustrations de leur album pour communiquer la vérité à leurs fans. [40] [41]

Des dizaines d'indices supposés de la mort de McCartney ont été identifiés par les fans et les adeptes de la légende. Il s'agit notamment des messages perçus lors de l'écoute de chansons jouées à l'envers et des interprétations symboliques des paroles et des images de la couverture de l'album. [42] [43] Un exemple fréquemment cité est la suggestion que les mots « J'ai enterré Paul » sont prononcés par Lennon dans la section finale de la chanson « Strawberry Fields Forever », que les Beatles ont enregistrée en novembre et décembre 1966. Lennon plus tard a dit que les mots étaient en fait "Sauce aux canneberges". [44] [45]

Un autre exemple est l'interprétation de la Route de l'Abbaye couverture de l'album représentant un cortège funèbre. Lennon, vêtu de blanc, symboliserait la figure céleste Starr, vêtu de noir, symbolise le croque-mort George Harrison, en denim, représente le fossoyeur et McCartney, pieds nus et en décalage avec les autres, symbolise le cadavre. [19] La plaque d'immatriculation de la Volkswagen Beetle blanche sur la photo - contenant les caractères LMW 28IF - a été identifiée comme une autre "preuve". [7] [46] "28IF" représentait l'âge de McCartney "si" il était encore en vie (bien que McCartney avait 27 ans lorsque l'album a été enregistré et sorti) [24] tandis que "LMW" signifiait "Linda McCartney pleure" ou "Linda McCartney, veuve". [47] [nb 4] Que le gaucher McCartney ait tenu une cigarette dans sa main droite a également été dit pour soutenir l'idée qu'il était un imposteur. [22]

Le 21 octobre 1969, le bureau de presse des Beatles a de nouveau publié des déclarations niant la rumeur, la considérant comme « un tas de vieux déchets » [48] et disant que « l'histoire circule depuis environ deux ans – nous recevons des lettres de toutes sortes de fou mais Paul est toujours très présent avec nous". [49] Le 24 octobre, le journaliste de BBC Radio Chris Drake a obtenu une interview avec McCartney dans sa ferme. [16] McCartney a déclaré que la spéculation était compréhensible, étant donné qu'il faisait normalement "une interview par semaine" pour s'assurer qu'il restait dans les nouvelles. [50] Une partie de l'interview a été diffusée pour la première fois sur Radio 4, le 26 octobre [51] et par la suite sur WMCA aux États-Unis. [50] Selon l'auteur John Winn, McCartney avait concédé à l'interview "dans l'espoir que les gens qui entendraient sa voix verraient la lumière", mais le stratagème a échoué. [50] [nb 5]

McCartney a été secrètement filmé par une équipe de CBS News alors qu'il travaillait dans sa ferme. Comme dans son segment et celui de Linda dans le clip promotionnel des Beatles pour "Something", que le couple a filmé en privé à cette époque, McCartney n'était pas rasé et avait une apparence inhabituellement débraillée. [52] Ses visiteurs suivants étaient un journaliste et un photographe de La vie magazine. Irrité par l'intrusion, il a injurié le couple, a jeté un seau d'eau sur eux et a été filmé en essayant de frapper le photographe. Craignant que les photos n'endommagent son image, McCartney s'est alors approché du couple et a accepté de poser pour une photo avec sa famille et de répondre aux questions du journaliste, en échange du rouleau de film contenant les images incriminées. [53] Dans la description de Winn, le portrait de famille utilisé pour La vie La couverture de McCartney montre que McCartney n'est plus "misérablement vêtu", mais "rasé de près et habillé avec désinvolture mais élégamment". [52]

Suite à la publication de l'article et de la photo, dans le numéro du 7 novembre [52], la rumeur a commencé à décliner. [7] Dans l'interview, McCartney a déclaré :

Peut-être que la rumeur a commencé parce que je n'ai pas été beaucoup dans la presse ces derniers temps. J'ai fait assez de presse pendant toute une vie, et je n'ai rien à dire ces jours-ci. Je suis heureux d'être avec ma famille et je travaillerai quand je travaillerai. J'ai été allumé pendant dix ans et je n'ai jamais éteint. Maintenant, je m'éteint dès que je peux. Je préférerais être un peu moins célèbre ces jours-ci. [54]

En novembre 1969, les directeurs des ventes de Capitol Records ont signalé une augmentation significative des ventes d'albums du catalogue des Beatles, attribuée à la rumeur. [55] Rocco Catena, vice-président du marchandisage national de Capitol, a estimé que "cela va être le plus gros mois de l'histoire en termes de ventes des Beatles". [22] [55] La rumeur a profité à la performance commerciale de Route de l'Abbaye aux États-Unis, où il a largement dépassé tous les albums précédents du groupe. [56] Sgt. Poivre et Visite Mystère Magique, qui étaient tous deux hors des charts depuis février, sont ré-entrés dans le Panneau d'affichage Top LPs chart, [22] culminant respectivement au numéro 101 et au numéro 109. [57]

Un spécial télévisé consacré à "Paul est mort" a été diffusé sur WOR à New York le 30 novembre. [21] Intitulé Paul McCartney : L'histoire complète, racontée pour la première et la dernière fois, il a été placé dans une salle d'audience et hébergé par l'avocat célèbre F. Lee Bailey, [31] qui a contre-interrogé LaBour, [21] Gibb et d'autres partisans de la théorie et a entendu des points de vue opposés de « témoins » tels que l'ami de McCartney Peter Asher et Allen Klein. [22] Bailey a laissé au spectateur le soin de tirer une conclusion. [22] Avant l'enregistrement, le travail a dit à Bailey que son article avait été conçu comme une blague, ce à quoi Bailey a soupiré et a répondu : « Eh bien, nous avons une heure de télévision à faire, vous allez devoir accepter cela. " [21]

McCartney est retourné à Londres en décembre. Fort du soutien de Linda, il a commencé à enregistrer son premier album solo chez lui à St John's Wood. [58] Titré McCartney, et enregistré à l'insu de ses camarades de groupe, [59] [60] c'était « l'un des secrets les mieux gardés de l'histoire du rock » jusqu'à peu de temps avant sa sortie en avril 1970, selon l'auteur Nicholas Schaffner, et a conduit à l'annonce de la rupture des Beatles. [61] Dans sa chanson de 1971 "Comment Dormez-vous ?", dans laquelle il a attaqué le personnage de McCartney, [62] Lennon a décrit les théoriciens comme "des monstres" qui "avaient raison quand ils ont dit que vous étiez mort". [63] La rumeur a également été citée dans le canular entourant le groupe canadien Klaatu, [64] après une revue de janvier 1977 de leur premier album 3:47 HNE a déclenché des rumeurs selon lesquelles le groupe était en fait les Beatles. [65] Dans un récit, cette théorie soutenait que l'album avait été enregistré à la fin de 1966, mais avait ensuite été égaré jusqu'en 1975, date à laquelle Lennon, Harrison et Starr ont choisi de le publier à la mémoire de McCartney. [64]

labour est devenu plus tard notable en tant que bassiste du groupe de swing occidental Riders in the Sky, qu'il a cofondé en 1977. En 2008, il a plaisanté en disant que son succès en tant que musicien avait prolongé ses quinze minutes de gloire pour son rôle dans la rumeur à "dix-sept minutes". [66] En 2015, il a déclaré Les nouvelles de Détroit qu'il est encore périodiquement contacté par des théoriciens du complot qui ont tenté de lui présenter de supposés nouveaux développements sur les rumeurs de McCartney. [67]

L'auteur Peter Doggett écrit que, alors que la théorie derrière "Paul est mort" défiait la logique, sa popularité était compréhensible dans un climat où les citoyens étaient confrontés à des théories du complot insistant sur le fait que l'assassinat du président John F. Kennedy en 1963 était en fait un coup d'État. 'état. [68] Schaffner a déclaré que, étant donné ses origines en tant qu'élément de commérages et d'intrigues générés par un groupe restreint du « culte des Beatles », « Paul est mort » sert de « véritable conte populaire de l'ère des communications de masse ». [8] Il l'a également décrit comme « le canular le plus monumental depuis Orson Welles La guerre des mondes diffusé a persuadé des milliers de New Jerseyites paniqués que les envahisseurs martiens étaient à proximité". [8] Dans son livre Révolution dans la tête, Ian MacDonald dit que les Beatles étaient en partie responsables du phénomène en raison de leur incorporation de « paroles et effets aléatoires », en particulier dans le morceau de l'album blanc « Glass Onion » dans lequel Lennon invitait à la recherche d'indices en incluant des références à d'autres chansons des Beatles. [3] MacDonald le groupe avec les "épidémies psychiques" qui ont été encouragées par l'utilisation de drogues hallucinogènes par le public rock et qui se sont intensifiées avec l'interprétation homicide de Charles Manson de l'Album blanc et le meurtre de Lennon motivé par la religion par Mark David Chapman en 1980. [69 ]

Au cours des années 1970, le phénomène est devenu un sujet d'étude universitaire en Amérique dans les domaines de la sociologie, de la psychologie et des communications. [70] Parmi les études sociologiques, Barbara Suczek l'a reconnu comme, dans la description de Schaffner, une lecture contemporaine du « mythe archétypal où la belle jeunesse meurt et est ressuscitée comme un dieu ». [8] Les psychologues Ralph Rosnow et Gary Fine ont attribué sa popularité en partie à l'expérience partagée et indirecte de la recherche d'indices sans conséquence pour les participants. Ils ont également déclaré que pour une génération méfiante à l'égard des médias à la suite du rapport de la Commission Warren, il a pu prospérer dans un climat informé par « le manque de crédibilité de la présidence de Lyndon Johnson, les rumeurs largement diffusées après Martin Luther King Jr. et Robert F . Les assassinats de Kennedy, ainsi que les attaques contre les principales sources médiatiques par les yippies et Spiro Agnew". [8] La critique sociale américaine Camille Paglia situe le phénomène « Paul est mort » dans la tradition grecque antique symbolisée par Adonis et Antinoüs, telle que représentée dans le culte des « jolis garçons aux cheveux longs qui hypnotisent les deux sexes » de la musique rock, et elle ajoute: "Ce n'est pas un hasard si c'est Paul McCartney, le 'plus mignon' et le plus jeune des Beatles, qui a inspiré une fausse rumeur qui a balayé le monde en 1969 selon laquelle il était mort." [71]

"Paul est mort" a continué d'inspirer l'analyse au 21e siècle, avec des études publiées par Andru J. Reeve, Nick Kollerstrom et Brian Moriarty, entre autres, et des travaux d'exploitation dans les médiums du faux documentaire et du film documentaire. [40] Écrivant en 2016, le biographe des Beatles, Steve Turner, a déclaré que « la théorie a toujours le pouvoir de revenir à la vie ». [39] Il a cité un article de 2009 Italie filaire article de magazine qui présentait une analyse de deux consultants en recherche médico-légale qui comparaient des photographies sélectionnées de McCartney prises avant et après sa mort présumée en mesurant les caractéristiques du crâne. [39] Selon les découvertes des scientifiques, l'homme montré dans les images post-novembre 1966 n'était pas le même. [39] [72] [n° 6]

Des rumeurs similaires concernant d'autres célébrités ont circulé, y compris l'allégation non fondée selon laquelle la chanteuse canadienne Avril Lavigne est décédée en 2003 et a été remplacée par une personne nommée Melissa Vandella. [73] [74] Dans un article sur ce dernier phénomène, Le gardien a décrit le canular de McCartney de 1969 comme « peut-être l'exemple le plus connu » d'une célébrité faisant l'objet d'« une théorie du complot de clonage (complètement non vérifiée) ». [73] En 2009, Temps magazine a inclus « Paul est mort » dans son article sur dix des « théories du complot les plus durables au monde ». [41]

Il y a eu de nombreuses références à la légende dans la culture populaire, y compris les exemples suivants.


Devil Music: Une histoire de l'occultisme dans le rock & roll

Le 1er juin 1967, les musiciens les plus célèbres du monde a publié un nouveau disque de longue durée dont la jaquette représentait une galerie de personnalités non conventionnelles et un individu dont le non-conformisme était tristement célèbre. Les Beatles' Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts Club était un album très attendu qui a confirmé le statut du groupe en tant que créateur de goûts déterminants de leur temps. C'était la bande originale du merveilleux « Summer of Love », il a fermement établi la primauté de la musique rock psychédélique, et il a été salué comme une percée musicale qui a offert à un public de masse une représentation de la sensation de marijuana et de LSD dans le son. Aujourd'hui Sgt. Poivre est connu comme l'album classique de l'ère du rock classique, remarquable pour ses techniques d'enregistrement pionnières et ses chansons des Beatles durables ("With a Little Help From My Friends", "Lucy in the Sky With Diamonds", "A Day in the Life") , bien que la musique antérieure et postérieure du groupe ait vieilli avec plus de succès. Même la couverture de l'album est considérée comme un point de repère dans le domaine de l'emballage de disques depuis les années où la musique était réellement présentée sur des disques physiques dans des pochettes physiques et où des millions de fans ont étudié la photo de la jaquette et l'assemblage déroutant de personnages qu'elle représentait.

Photographié par Michael Cooper, le Sgt. Poivre la prise de vue avait eu lieu le 30 mars 1967. Les Beatles, innovant à chaque pas, décidèrent d'une mise en page qui rompait avec leur habitude de simplement poser le quatuor seul dans un seul portrait. Le designer Peter Blake, une étoile montante du monde du Pop Art à Londres, s'est rappelé plus tard avoir conféré avec les Beatles et le propriétaire de la galerie d'art Robert Fraser sur une approche différente du design : : faire un collage grandeur nature incorporant de vraies personnes, des photographies et des œuvres d'art. Je l'ai en quelque sorte réalisé et j'ai demandé aux Beatles et à Robert (et peut-être à d'autres personnes, mais je pense que c'était principalement nous six) de faire une liste de personnages qu'ils aimeraient voir dans une sorte de film idéal magique, et ce qui est arrivé de cet exercice, six groupes différents de personnes.

Le résultat a été une photo de groupe de près de soixante-dix personnes, avec les quatre Beatles costumés comme seuls corps vivants sur la photo. Parmi les sélections choisies par les Beatles, Blake et Fraser ont été admirés les contemporains Bob Dylan et l'écrivain Terry Southern, les stars de cinéma Fred Astaire, Laurel et Hardy, Tony Curtis, Marlon Brando et Marilyn Monroe et un certain nombre de hors-la-loi artistiques et littéraires Edgar Allan Poe, William S. Burroughs, Aubrey Beardsley, Dylan Thomas et Oscar Wilde. Et dans le coin supérieur gauche de la collection, entre le yogi indien Sri Yukteswar Giri et le sex-symbol des années trente Mae West, brillait le visage au crâne rasé d'un homme autrefois connu sous le nom de « l'homme le plus méchant du monde ». Il s'appelait Aleister Crowley.

La plupart des comptes nomment Paul McCartney comme le Beatle qui a choisi Crowley, bien que les choix les plus controversés du quatuor d'Adolf Hitler, du marquis de Sade et du Mahatma Gandhi aient été retirés du collage. Ce que McCartney savait de Crowley était probablement superficiel, sa vie et son travail ultérieurs ne font aucune référence à Crowley, mais en 1967, le Beatle était très sensible aux vogues dominantes de la jeune Grande-Bretagne et de l'Amérique et de la contre-culture en plein essor. Dans le même temps, la spécialité de Peter Blake était les images « trouvées » des décennies passées : la sensibilité Pop d'exposer des illustrations publicitaires et de journaux redécouvertes avec une couche d'ironie distanciée. Ensemble, le musicien et le designer étaient sensibles au renouveau de l'époque victorienne qui caractérisa les graphismes et le style britanniques à la fin des années soixante (vu, par exemple, dans les uniformes des Sgt. Poivre les musiciens et l'affiche de cirque qui a inspiré les paroles de l'album « Being For the Benefit of Mr. Kite »), et Aleister Crowley, né en 1875, faisait partie de ce renouveau. La photo de Crowley utilisée par Blake avait été photographiée par Hector Murchison en 1913 et, grâce à sa promotion par les Beatles, est devenue l'image la plus reconnaissable de lui. Comme trois des autres sujets de couverture, l'artiste « décadent » Aubrey Beardsley, l'auteur proto-surréaliste Lewis Carroll et l'écrivain scandaleux Oscar Wilde, la réputation de Crowley s'est progressivement réhabilitée pour une période plus tolérante. Il n'était plus un affront à la majesté britannique mais un martyr de l'hypocrisie morale.

Né dans une fortune de brassage et élevé dans une famille fanatiquement religieuse, Edward Alexander Crowley était, à certains égards au moins, un produit typique de sa classe. Il était assez riche pour éviter un emploi régulier dès sa jeunesse a étudié à Cambridge et a beaucoup voyagé (parfois lors d'expéditions d'escalade périlleuses en Grande-Bretagne, en Europe et en Asie) a écrit et auto-publié de la prose et de la poésie aventurée sexuellement avec des femmes et des hommes et a librement bu de l'alcool. , stimulants et opiacés. Si cela avait été tout ce qu'il y avait eu, on se serait peut-être souvenu de lui comme d'un autre libertin de fin de siècle, mais Crowley avait une autre poursuite qui n'était pas simplement le vice d'un dandy privilégié, mais une passion dévorante. Son irrévérence et son appétit pour la transgression étaient tels, évidents même lorsqu'il était enfant, que sa mère l'appelait « la grande bête », tiré du livre apocalyptique de l'Apocalypse. Pour le reste de sa vie, Crowley a adopté et a cherché à être à la hauteur de la désignation, en prêchant et en mettant en pratique son principe immuable : « Fais ce que tu veux, ce sera l'intégralité de la loi.

Les exploits terrestres d'Aleister Crowley étaient une histoire de dons littéraires substantiels et d'érudition métaphysique au service d'une personnalité arrogante et abrasive. Il pouvait à la fois impressionner avec son esprit brillant et intimider avec ses jeux de tête vicieux. « Je l'ai immédiatement pris en aversion, raconte le romancier Somerset Maugham à propos de sa rencontre avec Crowley à Paris au début des années 1900, mais il m'intéressait et m'amusait. C'était un grand parleur et il parlait exceptionnellement bien… C'était un menteur et un vantard inconvenant, mais la chose étrange était qu'il avait en fait fait certaines des choses dont il se vantait. Crowley a raconté des histoires fantastiques sur ses expériences, mais il était difficile de dire s'il disait la vérité ou s'il se contentait de vous tirer la jambe. Maugham continuerait à baser le méchant personnage principal d'Oliver Haddo dans son Le magicien sur Crowley.

Intelligent et cultivé mais égoïste et dominateur, Crowley avait rejoint la secte mystique de l'Ordre de l'Aube dorée mais tomba à l'encontre de sa direction et forma son propre cercle, l'Ordre de l'Étoile d'Argent, sa "Grande Opération" était la transcription du Livre de la Loi, telle que dictée par l'esprit Aiwass à travers sa femme Rose au Caire en 1904. Une succession d'époux, d'amants, de disciples et d'intimes traversa sa vie. Il s'est exilé en Amérique pendant la Première Guerre mondiale, a formé un culte hétéroclite de croyants dans une abbaye sicilienne au début des années vingt et a perdu un procès en diffamation très médiatisé en 1933. À son apogée, il était une figure de notoriété internationale pour le excès diaboliques de son style de vie et de ses écrits et de son art joyeusement blasphématoires (il a même signé son nom d'un A incontestablement phallique), mais son argent et son attrait pour la presse se sont progressivement épuisés. Les volumineux traités de Crowley sur le yoga, les échecs, la poésie, le sexe tantrique, l'alpinisme et les arts perdus de ce qu'il a toujours appelé la « magie » ont attiré un public constant de fidèles, mais à la fin de sa vie, seuls quelques-uns sont restés engagés. Il est mort dans une pension près de Hastings, en Angleterre, en 1947, accro à l'héroïne et largement oublié par les compatriotes qu'il avait jadis tant choqués. Pour un témoin, ses derniers mots ont été : « Parfois, je me déteste.

Mais c'est « Do what you willt » de Crowley que les jeunes de 1967, à la fois les membres des Beatles et les innombrables auditeurs du groupe à travers le monde, ont le plus apprécié. Pour eux, Crowley n'était pas un homme méchant mais un homme bien en avance sur son temps, qui anticipait le rejet par la génération suivante des piétés démodées du devoir et de la retenue. Ce que Crowley représentait, en fin de compte, c'était l'autosatisfaction : pas de simples indulgences sans but mais la poursuite saine et libératrice de sa volonté et de ses désirs les plus profonds contre les attentes sans âme et superficielles de l'autorité. Le credo élaboré de Crowley de Thelema (Will) a donné au plaisir des jeunes pour le sexe, la drogue et le rock'n'roll une dimension au-delà de leurs plaisirs immédiats du point de vue de Crowleyan, de telles joies pourraient être considérées comme sacrées.

« Nous supprimons l'individu de plus en plus de manières », disait l'introduction de Crowley en 1938 à Le livre de la loi. « Nous pensons en termes de troupeau. La guerre ne tue plus les soldats, elle tue tous sans discernement. Chaque nouvelle mesure des gouvernements les plus démocratiques et autocratiques est d'essence communiste. C'est toujours une restriction. Nous sommes tous traités comme des enfants imbéciles. Ces sentiments sous-tendent les plaintes exprimées par les marcheurs et les manifestants des années soixante. Bien que Crowley ne soit qu'une note de bas de page dans l'héritage des Beatles, il était inévitable que de nombreux acheteurs qui ont ramassé Sgt. Groupe Pepper's Lonely Hearts Club et contemplé à travers des esprits élargis sa couverture enquêterait sur sa biographie et appliquerait ses enseignements à leurs propres circonstances. Si Aleister Crowley avait d'ailleurs également procédé à des sacrifices d'animaux, dénoncé avec véhémence le christianisme et prétendu avoir appelé des démons des mondes inférieurs, eh bien, ceux-ci sont également devenus une partie de sa légende. Ce visage sinistre sur la jaquette d'une collection marquante de musique populaire allait être celui qui a déclenché un million de voyages.

Les plus proches rivaux des Beatles dans le rock'n'roll étaient les Rolling Stones. Ce sont les Stones qui semblaient vraiment symboliser le glamour dangereux du genre et de l'époque. Ils n'avaient pas besoin de mettre Aleister Crowley sur une pochette de disque alors qu'ils semblaient déjà vivre selon son dicta. Dès leurs premiers succès, ils avaient été présentés comme un contrepoint sale et brutal aux Beatles heureux et adorables, leur musique était plus agressive et plus manifestement dérivée du cran hargneux du blues américain. Le mois de Sgt. Poivrela sortie de , trois Stones (Mick Jagger, Keith Richards et Brian Jones) étaient dans les salles d'audience de Londres pour des accusations de drogue, et à la fin de 1967 leur équivalent psychédélique de l'album des Beatles était sorti, son titre étant une parodie ricanante du royal préface sur les passeports britanniques : La demande de leurs majestés sataniques. Ce n'était qu'un jeu de mots, mais c'était la première fois que le Prince des Ténèbres figurait sur un disque pop majeur.

Au cours des deux années suivantes, les Rolling Stones sont devenus plus associés que tout autre artiste à une dépravation personnelle qui dépassait celle des rock stars qui faisaient la fête. Il y avait déjà eu des non-conformistes, des mauvais garçons et des durs à cuire dans le show-business auparavant, mais les Stones ont poussé ces prototypes à un niveau d'indignation plus profond. Une grande partie de cela, certainement, a été projetée sur eux par des critiques et des fans qui voulaient attribuer au groupe plus d'importance que les membres eux-mêmes ne le souhaitaient. Et une partie de leur aura provenait vraiment de leurs amis et de leurs proches, qui se prélassaient déjà dans le statut de hors-la-loi des Stones et ajoutaient leurs propres prédilections personnelles au mélange. « Il y avait beaucoup de préraphaélites qui couraient en velours avec des foulards attachés aux genoux… à la recherche du Saint Graal, de la cour perdue du roi Arthur, des ovnis et des lignes telluriques », se souvient Keith Richards dans ses mémoires de 2010, La vie. Les aristocrates blasés, les euro-trashs ennuyés et les Américains ardents, se souvient le guitariste, ont tous montré "les références de la merde de l'époque - le bavardage du mysticisme, le discours hautain sur l'alchimie et les arts secrets, tous essentiellement employés au service de la jambe de force. . " Ce sont les célèbres Rolling Stones, et non leurs suppliants moins connus, qui en ont pris la chaleur.

Cela dit, les musiciens étaient infectés par les modes intellectuelles de la contre-culture, et plongés comme ils l'étaient dans l'expérimentation de la drogue, ils se sont aventurés volontairement dans une partie du corpus croissant de la littérature occulte alors en circulation : tout, de la Le secret taoïste de la fleur d'or (lu par Mick Jagger en faisant La demande de leurs majestés sataniques) et des collections de mythologie celtique, au recueil des aberrations naturelles signalées de l'américain Charles Fort Le livre des damnés (1919) et le complot teinté de Louis Pauwels Le matin des magiciens (1960). Tous ces travaux ont joué sur les préjugés des jeunes, des mécontents, des branchés et des lapidés. Ils ont confirmé leur point de vue selon lequel l'establishment mentait, la moralité de la classe moyenne était une imposture, la réalité était subjective et le monde pourrait être un endroit magique si vous saviez seulement où et comment regarder.

Le prochain album des Rolling Stones, Banquet des mendiants, a pris les implications de Majestés sataniques encore plus loin, avec son single hypnotique et tribal « Sympathy For the Devil ». Ce favori de longue date, qui reste un hymne des Stones à ce jour, est né de la lecture par Mick Jagger du roman allégorique du romancier russe Mikhaïl Boulgakov. Le Maître et Marguerite. Jagger lettré et sensible a reçu le livre (écrit en 1939 mais pas publié avant le milieu des années soixante) par sa petite amie de l'époque, Marianne Faithfull. "Il l'a dévoré en une nuit et a craché" Sympathie pour le diable "", se souvient Faithfull dans sa propre autobiographie de 1994. "Le personnage central du livre est Satan, mais cela n'a rien à voir avec le démonisme ou la magie noire… Mick a écrit un chanson de trois minutes synthétisée à partir de ce livre très complexe. Aujourd'hui considéré comme l'un des grands romans russes, Le Maître et Marguerite est une satire sauvage de la vie dans les jours les plus sombres de l'URSS stalinienne, avec des échos de la légende de Faust et des apparitions de Ponce Pilate et de saint Matthieu.

Avec pour titre provisoire « The Devil is My Name », « Sympathy For the Devil » a été enregistré par les Rolling Stones au printemps 1968 (les séances ont été filmées par Jean-Luc Goddard et intégrées à son film éponyme) et sorti en Décembre. Jagger a chanté son récit classique à la première personne de la présence de Satan à des moments cruciaux de l'histoire, notamment la crucifixion du Christ, la Révolution russe, la Blitzkrieg nazie et même les assassinats de John F. et Robert F. Kennedy, avec les paroles retouchées pour refléter le la mort de ce dernier le 5 juin. C'était une chanson fascinante qui, au cours d'une année violente et tumultueuse, a encore attisé une humeur culturelle déjà chargée. Pourtant, comme l'a souligné Marianne Faithfull, l'acte diabolique de Jagger a été complètement affecté. "La seule raison pour laquelle les Stones n'ont pas été détruits par les idées avec lesquelles ils ont joué, c'est qu'ils ne les ont jamais pris aussi au sérieux que leurs fans", se souvient-elle. "Mick n'a jamais, pendant un instant, cru qu'il était Lucifer." Non, mais beaucoup d'autres étaient bien plus crédules.

Le lien des Rolling Stones avec l'Occulte ne s'est pas terminé avec "Sympathy For the Devil". La partenaire de Keith Richards, Anita Pallenberg, était un mannequin allemand d'une beauté méchamment belle qui, elle-même prise dans le vortex de la drogue et de la débauche dans l'orbite du groupe, était censée être une praticienne des arts sombres. Fidèle à nouveau : « Anita a finalement poussé l'entreprise de la déesse un peu plus loin dans la sorcellerie. Il y a eu des moments, surtout après la mort de Brian [Jones, original Stone], où elle est devenue un peu folle. Cela n'a pas aidé qu'elle ait été choisie avec Jagger dans le film Performance, dans lequel un gangster londonien (interprété par James Fox) change d'identité avec une rock star décadente (Jagger, naturellement). Keith Richards considérait le réalisateur, Donald Cammell, "un twister et un manipulateur dont le seul véritable amour dans la vie était de baiser les autres", mais Pallenberg semblait apprécier ses scènes de nu avec Jagger et un autre membre de leur trio, Michelle Breton. Cela créait une atmosphère tordue de jalousie et de dissipation orgiaque qui, que Pallenberg soit vraiment ou se considérait comme une sorcière, rendaient définitivement les rumeurs plausibles.

Les liens occultes se sont encore approfondis. Le cinéaste underground américain Kenneth Anger était à Londres et, via ses relations avec le galeriste et mondain Robert Fraser, a approché les Rolling Stones pour jouer dans son dernier projet, Lucifer en hausse. Anger était plus âgé que les Stones et leurs partisans (il est né en 1927), ancien enfant acteur hollywoodien et auteur du révélateur au vitriol Hollywood Babylone, et surtout un fervent étudiant d'Aleister Crowley. Son short à petit budget Inauguration du Dôme des Plaisirs, Scorpion qui s'élève et Feux d'artifice étaient des collages cinématographiques inintelligibles de motifs occultes, de sadomasochisme, d'appropriations pop et d'érotisme masculin gay. Anger s'est décrit comme un sorcier et était extrêmement sérieux dans son travail, il a convaincu Mick Jagger de faire une bande originale de synthétiseur abstrait pour l'un de ses efforts, Invocation de mon frère démon. Il avait aussi besoin d'argent et de l'attention que la présence du groupe de rock de renommée mondiale prêterait à Lucifer en hausse. "Tous les rôles devaient être soigneusement choisis", a déclaré Anger plus tard, "avec Mick étant Lucifer et Keith comme Beelzebub… L'unité occulte au sein des Stones était Keith et Anita et Brian. Vous voyez, Brian était aussi une sorcière. Je suis convaincu. Il m'a montré sa mésange de sorcière. Il a dit, ‘En un autre temps, ils m’auraient brûlé.’ Il en était très content. »

Mais les Rolling Stones, comme ils l'ont fait avec tant d'autres, ne faisaient que jouer avec Anger tant qu'il chatouillait leur fantaisie droguée. Leur véritable occupation était d'enregistrer et de jouer leur propre musique, et ils considéraient les étrangers sérieux comme Anger comme des nuisances jetables, essayant de monter sur leurs queues et d'absorber une partie de leur valeur marchande. "Kenneth Anger, ils pensaient risible", a écrit Marianne Faithfull. « Mick et Keith méprisaient totalement son tour de passe-passe satanique. »

La réputation du quintette s'est encore assombrie en 1969, lorsque la mort de deux hommes leur a été communément attribuée. Brian Jones a été retrouvé noyé dans sa piscine du Sussex le 26 juillet. Bien qu'il ait fondé les Rolling Stones et choisi leur nom d'après une chanson de Muddy Waters, Jones n'a jamais été capable de faire face à leur renommée et à la licence sexuelle, alcoolique et chimique qui en découle. Il était, en fait, une personnalité très vulnérable et souffrait de crises d'asthme en plus de sa forte consommation d'alcool et de drogue. Jones n'était pas plus impliqué dans l'Occulte que n'importe qui dans les Stones ou leur cercle (en dépit de sa mésange de sorcière), mais maintenant le groupe semblait non seulement dangereux mais potentiellement mortel. Le groupe était définitivement mortel pour Meredith Hunter, un spectateur de San Franciscain qui a été tué par les Hell's Angels lors du concert des Stones le 6 décembre à l'Altamont Speedway en Californie. Encore une fois, la cause de la mort était plus banale que démoniaque le temps était froid, la foule était moche, les installations manquaient, le spectacle était tardif, les Anges étaient brutaux et les hallucinogènes étaient partout. Mais Hunter, poignardé pendant que les Stones jouaient "Under My Thumb", a été une autre victime à prendre en compte par les fans et les ennemis.

Après la tragédie d'Altamont, les Rolling Stones semblaient laisser derrière eux une grande partie de leur insouciance, ou en tout cas une grande partie de leur naïveté spirituelle des années soixante. Lors de leurs apparitions publiques suivantes en 1972, ils étaient entrés dans un matérialisme de la jet-set et n'étaient plus considérés par leurs jeunes fans comme les ménestrels d'une révolution imminente. Leur record de 1973 Soupe de Tête de Chèvre s'est ouvert avec le riff séduisant de "Dancing With Mr. D", qui décrivait des rendez-vous au cimetière, le feu et le soufre, et l'odeur du vaudou, mais à ce moment-là, de telles références des Stones n'étaient pas aussi incendiaires qu'elles l'avaient été. Au cours de cette décennie, d'autres groupes de rock'n'roll ont commencé à diffuser le message occulte, et à le diffuser plus largement et plus fort que jamais.

Un musicien négligé dont la musique faisait des allusions emphatiques à Aleister Crowley était le claviériste et chanteur britannique de rhythm 'n' blues Graham Bond. Contrairement à Mick Jagger ou Keith Richards, Bond n'était pas un amateur d'occultisme. Il se croyait en fait le fils illégitime de Crowley – la fille reconnue de Crowley est décédée dans son enfance et il n'a laissé aucun héritier légal – et ses albums Magie sacrée et Nous mettons notre magie sur vous chansons répertoriées avec des titres tels que "The Pentagram Ritual", "The Magician" et "The Judgement". Bien que Bond n'ait jamais atteint les sommets de la gloire et de la richesse autant de ses contemporains qu'il a influencés (son groupe, la Graham Bond Organization, est devenu surtout connu comme la source du bassiste Jack Bruce et du batteur Ginger Baker dans le trio superstar de Cream), sa vie et les œuvres sont explicitement liées à l'Occulte. Des problèmes de drogue et de carrière, combinés à une instabilité mentale, ont conduit Graham Bond à se suicider sous les roues d'un train londonien en 1974.

En 1968 l'ancien guitariste de studio et membre des Yardbirds Jimmy Page a formé son nouveau quatuor Led Zeppelin. Signé sur le label major Atlantic Records et encouragé par la direction loyale et farouchement protectrice de Peter Grant, Led Zeppelin a rapidement rassemblé un large public au Royaume-Uni, en Europe et surtout aux États-Unis, où leur marque histrionique et très lourde d'électro le blues a fait appel à l'après-Sgt. Poivre cohorte d'étudiants. Led Zeppelin s'est peu soucié des tactiques promotionnelles typiques des anciens rock'n'rollers et leurs ventes de disques et de billets n'ont pas du tout souffert, mais ce qui est ressorti des rares interviews de Page était son étude consacrée à l'Occulte. « [V] vous ne pouvez pas ignorer le mal si vous étudiez le surnaturel comme je le fais », a-t-il déclaré à un journaliste en 1973. « J'ai de nombreux livres sur le sujet et j'ai également assisté à un certain nombre de séances. Je veux continuer à l'étudier.

Tout au long des années 70, Led Zeppelin était au sommet ou près du sommet du monde du rock, et Page, en tant que leader, guitariste et producteur du groupe, dominait la réputation occulte du groupe. En effet, les autres joueurs Robert Plant, John Paul Jones et John Bonham n'avaient aucune affinité avec les goûts de Page, mais chacun est devenu, à des degrés divers, terni par association. En 1970, Page, maintenant avec de nombreux concerts de Zeppelin et de l'argent des redevances, était passé de la collection de livres d'Aleister Crowley et d'autres artefacts à l'achat d'une ancienne maison Crowley, la Boleskine House, sur les rives du Loch Ness en Écosse. La même année, Page et l'ingénieur Terry Manning enregistrèrent les premiers pressages vinyles de l'album. Led Zeppelin III avec les adjurations de Crowley "Fais ce que tu veux / Shall Be the Whole of Law" sur les pistes de ruissellement, au lieu des numéros de série habituels.

En 1971, le quatrième album de Led Zeppelin n'a reçu aucun titre officiel, mais un quatuor d'identification de symboles runiques ou alchimiques qui ont ensuite été affichés par les quatre membres du groupe en concert. Page était un sceau illisible ressemblant au mot "ZoSo", qui a finalement été attribué à la Renaissance L'astrologue et mathématicien italien Girolamo Cardano (vers 1490-1565) et deux textes français du XIXe siècle, Le Triple Vocabulaire Infernal et Le Dragon Rouge. Le symbole de la plante d'une plume encerclée représentait le royaume du Pacifique prétendument perdu de Mu. Le gatefold de cet album était illustré d'une adaptation de la carte de l'Ermite d'une édition bien connue de 1910 du jeu de Tarot.

En 1974, Page a acheté une librairie Occulte de Londres appelée L'équinoxe, en plus de la somptueuse tour néogothique de l'architecte William Burges dans le quartier exclusif de Kensington. Lorsque Led Zeppelin a fondé un label boutique Swan Song, également en 1974, des invitations à la fête de lancement avec le titre « Do What Thou Wilt » ont été distribuées, et des strip-teaseuses déguisées en religieuses faisaient partie des festivités. Le logo de la société était un rendu stylisé du mythique Icare ailé ou, selon d'autres interprétations, de Lucifer, l'ange déchu. En 1975 et 1977, Page a donné des concerts dans un costume de scène noir brodé de symboles astrologiques, le sceau ZoSo et un dragon tordu sur toute la longueur. Dans le film Led Zeppelin de 1976 La chanson reste la même, un Page solitaire a été montré sur le terrain boisé de sa maison anglaise alors qu'il se tournait vers la caméra, ses yeux étaient faits pour briller d'une lumière d'un autre monde.Avant les concerts en plein air de Zeppelin à Knebworth en 1979, Page a enquêté sur les antiquités occultes stockées dans le manoir voisin qui abritait autrefois Edward Bulwer-Lytton, comte de Knebworth.

Cependant, des problèmes se préparaient dans le camp de Led Zeppelin : le chanteur Plant et sa femme ont été grièvement blessés dans un accident de voiture en 1975, et le jeune fils de Plant est décédé d'une infection en 1977, peu de temps après John Bonham, Peter Grant et deux autres membres du L'équipe de route du groupe a été arrêtée pour agression dans les coulisses d'un concert à Oakland. À cette époque, Jimmy Page lui-même, comme de nombreuses stars du rock de l'époque, était pris dans une grave dépendance à la cocaïne et à l'héroïne. Page avait également rencontré Kenneth Anger lors d'une vente aux enchères d'objets de collection Aleister Crowley, où le riche héros de la guitare a surenchéri sur le cinéaste en difficulté, et Page avait accepté de composer gratuitement une bande originale pour le film en cours d'Anger. Lucifer en hausse projet. Cependant, les deux se sont brouillés, alors qu'Anger se plaignait des retards de Page dans la livraison de musique utilisable, tandis que Page était contrarié qu'Anger ait installé une salle de montage dans le sous-sol de sa Tower House et proposait aux visiteurs des visites non autorisées des locaux. La colère a publiquement rompu avec Page en 1976, racontant aux journalistes les problèmes de drogue de Page et menaçant: "Je suis prêt à lancer un sort de Kenneth Anger!" La colère enfin passée au crible Lucifer en hausse en 1980, avec un assortiment de photos de lui-même, de Page, Marianne Faithfull fortement droguée et du frère de Mick Jagger, Chris. La bande originale officielle a été attribuée à Bobby Beausoleil, un meurtrier incarcéré et membre de la famille Charles Manson.

Led Zeppelin s'est officiellement dissous en décembre 1980 après que John Bonham s'est saoulé à mort dans une frénésie au domicile de Page à Windsor trois mois plus tôt, un an après qu'un autre jeune ami du groupe a été retrouvé mort d'une overdose accidentelle dans la résidence de Page à Sussex. Au cours des dernières années du groupe, et bien au-delà d'eux, les fans et les fanatiques américains anti-rock ont ​​affirmé avoir entendu des « messages » subliminaux dans le célèbre « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin lorsque la composition épique était jouée à l'envers. Parmi les sons audibles, il a été dit, étaient les phrases suivantes :

Il n'y a pas d'échappatoire

Dont le chemin me rendra triste, dont le pouvoir est Satan

Il vous donnera 666

Voici mon doux Satan

À ce moment-là, la presse à sensation en Grande-Bretagne et les publications rock en Amérique avaient commencé à publier des histoires sur «la malédiction Zeppelin» qui avait causé tant de malheur au quatuor. En plus des rumeurs de "masquage en arrière" qui ont suivi "Stairway to Heaven" - qui ont atteint un comité de la législature de l'État de Californie en 1982 - des rumeurs plus conjecturales ont affirmé que Page avait en fait vendu le sien, celui de Robert Plant et celui de John Bonham. âmes au diable en échange de l'énorme popularité de Led Zeppelin. John Paul Jones, le musicien discret de l'ensemble, a refusé de signer le contrat infernal (ainsi l'histoire) et a ainsi évité les morts et les afflictions qui ont frappé les autres. Ces récits reflétaient les couvertures d'albums énigmatiques de Led Zeppelin, leurs disques et spectacles bruyants et dramatiques, les paroles mystiques de Plant et la vie personnelle notoirement prodigue des joueurs et la sauvegarde de la sécurité sujette à la violence, mais ils provenaient de l'intérêt reconnu de Jimmy Page pour l'occulte.

Pourtant, dès 1976, Page s'éloignait des rapports les plus spéculatifs. « Je n'adore pas le Diable », affirma-t-il dans un Pierre roulante entretien cette année-là. « Mais la magie m'intrigue. Magie de toutes sortes. Il a poursuivi en disant à son intervieweur, le journaliste Cameron Crowe : « Je ne suis pas sur le point de nier aucune des histoires… Je ne suis pas idiot. Je sais à quel point la mystique compte. Pourquoi devrais-je le faire exploser maintenant ? » Après la mort de l'enfant de Plant et le mythe de la « malédiction » qui a surgi, Page était plus catégorique : « Tout le concept du groupe est le divertissement », a-t-il déclaré au journal musical britannique. Créateur de mélodies. "Je ne vois aucun lien entre ça et le 'karma', et pourtant je l'ai vu écrit quelques fois sur nous, comme ‘Encore un autre incident dans le karma de Zeppelin’… C'est une chose horrible et insipide à dire.

Page n'a jamais nié son intérêt pour Aleister Crowley et on pense qu'il est un thélémite pratiquant et toujours affilié à l'Ordo Templi Orientis de Crowley (Ordre du Temple de l'Est), mais il a dit Monde de la guitare magazine en 2003, « Il est regrettable que mes études sur le mysticisme et les traditions orientales et occidentales de magie et de tantrisme soient toutes placées sous l'égide de Crowley. Oui, bien sûr, j'ai lu beaucoup de Crowley et j'étais fasciné par ses techniques et ses idées. Mais je lisais dans tous les domaines… Il n'était pas inhabituel [dans les années 60] de s'intéresser aux religions comparées et à la magie. Longtemps après la disparition de Led Zeppelin et son entrée à la retraite, Page a dû dissiper la malédiction calomnieuse et les diffamations masquantes à l'envers qui ont surgi dans les années soixante-dix. "Je ne veux pas entrer dans trop de réactions de la part des groupes fondamentalistes chrétiens", a-t-il été cité en 1995. "J'ai déjà donné trop de kilométrage à ces gens." En 2000, il a intenté une action en justice contre un magazine londonien qui a publié une histoire suggérant qu'il avait jeté des sorts sataniques sur John Bonham alors que le batteur mourait, l'histoire a été rétractée et Page a reçu des dommages-intérêts, que le musicien millionnaire et occultiste a donné à une œuvre caritative.

Les allégations autour de Led Zeppelin sont venues progressivement au cours de la vie du groupe et dans sa formidable influence posthume. Mais en 1969, le Zeppelin en plein essor avait partagé des projets de loi à Los Angeles avec un autre acte qui a provoqué un scandale beaucoup plus grand, bien que plus bref, avec une rafale de disques controversés et de concerts sensationnels dans les premières années de la décennie suivante : Alice Cooper. À l'origine un collectif promu par le maître satiriste du rock Frank Zappa, le groupe Alice Cooper a fusionné l'énergie rauque adolescente de la musique boogie électrique - plus simple et moins habilement jouée que celle de Led Zeppelin - avec une théâtralité macabre qui a finalement été qualifiée de "rock de choc". Le chanteur était un jeune Vincent Furnier, un participant volontaire au stratagème, qui s'est rapidement identifié comme Alice lui-même. de cette appellation.

Cooper portait du maquillage et des vêtements pour femmes sur scène, se produisait avec un boa constrictor vivant, détruisait des bébés poupées devant le public, semblait se pendre et/ou se décapiter dans des rituels culminants de nœud coulant et/ou de guillotine, chantait des chansons intitulées « Dead Babies », « Halo of Flies », « Under My Wheels », « Only Women Bleed », « I Love the Dead », « Black Widow », « Is It My Body » et le nécrophile « Cold Ethyl » et ont sorti des albums intitulés Aimez-le à mort, Tueur, Bienvenue dans mon cauchemar, et Alice Cooper va en enfer. Un conte populaire persistant prétendait que Cooper avait remporté un concours de « grossiste » sur scène avec Frank Zappa, qui (selon le conteur) impliquait la production publique et l'ingestion de déchets corporels. Les groupes de parents et les commentateurs traditionnels ont été indignés, tandis que la presse l'a lapé.

En 1971, Albert Goldman, critique musical pour La vie magazine, a écrit que "La publicité d'avance pour Alice Cooper m'a presque retourné le ventre... C'est un embarras effrayant... Ce qui irrite tout le monde, c'est le sacrifice qu'il fait de la honte." Pendant quelques années, Alice Cooper a été le nec plus ultra de la laideur rock'n'roll : "Nous sommes le groupe qui a enfoncé un pieu au cœur de la génération de l'amour", a-t-il déclaré à des journalistes enthousiastes.

Peu de temps après, cependant, Alice Cooper (l'individu) a commencé à minimiser l'importance du label shock rock. Il n'a pas renié sa musique ou sa routine de scène, mais il a clairement indiqué que ce qu'il faisait n'était rien de plus qu'un gadget qui avait séduit les adolescents frustrés de l'Amérique et leurs mamans et papas inquiets. Cooper a côtoyé les anciens personnages du show-business Groucho Marx et Bob Hope, et a été vu en compétition dans des tournois de golf de célébrités très peu choquants. Dans les coulisses, il n'était pas un toxicomane fou de Satan, mais le fils d'un pasteur de Phoenix, en Arizona, et un alcoolique fonctionnel. Les observateurs occasionnels l'ont naturellement lié à la vague Occulte montante, étant donné son spectacle criard et ses thèmes lyriques horribles, mais les initiés savaient mieux. Le journaliste Bob Greene a suivi le groupe Cooper lors d'une tournée américaine et a noté à quel point le chanteur était impassible par son propre battage médiatique. "Il était conscient qu'une grande partie de l'Amérique prenait très au sérieux son image malade et imbibée de sang, ce qui le rendait d'autant plus disposé à rire de lui-même", a écrit Greene dans sa chronique de 1974, Un bébé à un milliard de dollars. "Alice était fière de son intelligence et de son sens de l'ironie, et en studio, il a fait tout ce qu'il pouvait pour montrer que le travail de jouer le rôle d'Alice Cooper n'était que cela, un travail. [Il] était toujours désireux de démontrer une fois de plus qu'il ne se confondait pas avec la dangereuse misérable nommée Alice Cooper qui était vendue au public.

Pendant son règne en tant que roi du shock rock, l'un des premiers actes d'Alice Cooper était le groupe américain de la côte est Blue Öyster Cult. Contrairement à la tête d'affiche, le Cult n'a pas opté pour des scènes flagrantes de travestisme ou d'exécution publique, ils avaient un son rock lourd similaire mais avec un matériau plus subtil qui conservait un certain air de mystère. Les thèmes lyriques du groupe étaient souvent ironiques, tout comme le nom du groupe un peu ridicule, mais ils étaient livrés avec une intensité (les faisceaux laser et les flashs explosifs étaient des éléments de base sur scène) qui en ont fait un tirage populaire au milieu des années soixante-dix. Une grande partie de cela était due à leur producteur, manager et co-compositeur Sandy Pearlman, diplômé universitaire et critique musical occasionnel qui a été crédité comme le premier à utiliser le terme "heavy metal" pour décrire la musique rock agressive à base de guitare. Le claviériste Allen Lanier lui-même a formé un lien curieux entre le rock de stade croquant du genre Blue Öyster Cult et la bohème cérébrale de son ancien partenaire, la chanteuse punk Patti Smith.

Culte de l'huître bleue | photo : enregistrements hérités

Suivant le modèle de Led Zeppelin, BÖC a conçu une série de pochettes d'albums insondables qui impliquaient une signification occulte, avec le M.C. Des graphismes à la Escher de leurs débuts éponymes en 1972 et de l'année suivante Tyrannie et Mutation, suivi du chasseur à réaction de la Luftwaffe dans les années 1974 Traités secrets, tandis que les années 1975 À vos pieds ou à genoux imaginait une sinistre limousine noire devant une vieille église sur fond de ciel agité. Chacun de ces tableaux présentait un logo cryptique censé représenter la faux de Cronos, chef des Titans de la mythologie grecque, en plus d'être le symbole alchimique du plus lourd des métaux, le plomb. Comme le ZoSo de Jimmy Page, le design BÖC est pratiquement devenu une marque occulte que des millions de fans ont adoptée sur leurs propres vêtements et autres accessoires. L'utilisation du tréma dans « Öyster », aussi inutile soit-elle, a déclenché une longue tendance à utiliser l'accent germanique intimidant dans d'autres noms de groupes de heavy metal : Mötley Crüe, Motörhead, etc. Les chansons du groupe suggéraient en outre une esthétique vaguement science-fiction ou transgressive, y compris des numéros préférés comme «Dominance and Submission», «Subhuman», «Tattoo Vampire», «Career of Evil», «Astronomy», «I Love the Night», "Nosferatu", "Flaming Telepaths", "ETI [Extra-Terrestrial Intelligence]" et le riff monstre destructeur de Tokyo de "Godzilla".

Le plus gros succès de Blue Öyster Cult est devenu l'un des singles rock les plus connus de son époque, et l'un des plus effrayants. Composé par le guitariste Donald Roeser sous son pseudonyme beaucoup plus cool Buck Dharma, "(Don't Fear) The Reaper" était une ballade fantomatique à tonalité mineure d'un pacte de suicide entre amoureux qui faisait allusion à la présence cachée de la mort lui-même juste à l'extérieur de la fenêtre à rideaux et la salle aux chandelles. Les couplets morbides s'accordent parfaitement avec les arpèges chuchotés et restent, comme « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin, un hymne aux passions obscures et à la puissance gothique. Il a été cité dans une variété d'œuvres cinématographiques et littéraires ultérieures, y compris l'épopée de la fin du monde de Stephen King. Le stand et une version télévisée du livre de non-fiction de Norman Mailer sur le meurtrier Gary Gilmore, La chanson du bourreau. L'album qu'il mettait en avant, Agents of Fortune de 1976, présentait à nouveau le logo Cronus et les images obscures des cartes de tarot (ainsi que les paroles de Patti Smith). Pour les légions de jeunes rock'n'rollers qui ont appris les airs sur leurs guitares ou qui ont joué les morceaux sur les chaînes stéréo de leur chambre, "(Don't Fear) The Reaper" et d'autres œuvres de BÖC étaient des entrées dans le monde de l'Occulte : accessible mais indéchiffrable, accrocheur mais déroutant.


Le sergent des Beatles. Poivre Réédition du 50e anniversaire

Pour le 50e anniversaire du Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band en juin 2017, les Beatles ont sorti une édition anniversaire de luxe avec une grande variété d'extraits des sessions d'enregistrement.

À sa sortie le 1er juin 1967, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band a d'abord passé 148 semaines dans le classement britannique, dont un total de 27 semaines au numéro un. Au cours de sa première course aux charts américains, l'album a occupé la première place pendant 15 des 88 semaines où il est apparu dans le Top 200. ‘Sgt. Poivre‘ a remporté quatre GRAMMY Awards®, dont celui de l'album de l'année, et il reste l'un des albums les plus influents et les plus vendus de tous les temps. En 2003, la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a sélectionné ‘Sgt. Poivre‘ pour le National Recording Registry, reconnaissant l'album comme “culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif.” ‘Sgt. Poivre‘ hauts Pierre roulante liste définitive du magazine des « plus grands albums de tous les temps ».

C'est la première fois Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band a été remixé et présenté avec des enregistrements de session supplémentaires. Pour créer les nouveaux mixages audio stéréo et surround 5.1 pour ‘Sgt. Poivre, le producteur Giles Martin et l'ingénieur de mixage Sam Okell ont travaillé avec une équipe d'ingénieurs et de spécialistes de la restauration audio aux studios Abbey Road à Londres. Toutes les sorties de l'édition anniversaire incluent le nouveau mix stéréo de l'album de Martin, qui provient directement des bandes originales de la session à quatre pistes et guidé par le mix mono original, préféré des Beatles, produit par son père, George Martin.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Les versions de l'édition anniversaire incluent:

Un CD avec le nouveau ‘Sgt. Poivre‘ mix stéréo, complet avec l'album original britannique’s “Edit for LP End” groove run-out.

De luxe: Le pack 2CD et numérique étendu comprend le nouveau mix d'album stéréo sur le premier CD et ajoute un deuxième CD de 18 pistes, y compris des prises complètes inédites des 13 chansons de l'album, nouvellement mixées en stéréo et séquencées dans le même ordre que le album. Le deuxième CD comprend également un nouveau mix stéréo et une prise instrumentale inédite de “Penny Lane” et le mix stéréo 2015 et deux prises complètes inédites de “Strawberry Fields Forever.”.

Vinyle de luxe: Le pack vinyle 2LP étendu de 180 grammes comprend le nouveau mixage stéréo de l'album sur le premier LP et ajoute un deuxième LP avec des prises complètes inédites des 13 chansons de l'album, nouvellement mixées en stéréo et séquencées dans le même ordre que l'album.

Super De Luxe: Le coffret complet de six disques comprend :
CD 1: Nouveau mix d'album stéréo
CD 2 & amp 3:
– 33 enregistrements supplémentaires des sessions en studio, la plupart inédits et mixés pour la première fois à partir des bandes de session à quatre pistes, séquencés par ordre chronologique de leurs dates d'enregistrement
– Un nouveau mix stéréo de “Penny Lane” et le mix stéréo 2015 de “Strawberry Fields Forever”
CD 4:
– Transferts directs du mix mono original de l'album et des singles “Strawberry Fields Forever” et “Penny Lane”
– Capitol Records’ Mix unique promotionnel américain de “Penny Lane”
– Premiers mix mono inédits de “She’s Leaving Home,” “A Day In The Life,” et “Lucy In The Sky With Diamonds” (un mélange qui aurait été effacé à partir d'une cassette en 1967, mais découvert lors de recherches d'archives pour l'édition anniversaire)
Disques 5 & 6 (Blu-ray et DVD):
– Nouveaux mixages audio surround 5.1 de l'album et “Penny Lane” de Giles Martin et Sam Okell, ainsi que leur mixage surround 5.1 2015 de “Strawberry Fields Forever”
– Versions audio haute résolution des nouveaux mixages stéréo de l'album et “Penny Lane” et du mixage stéréo 2015 de “Strawberry Fields Forever”
– Fonctionnalités vidéo : films promotionnels originaux restaurés en 4K pour “Strawberry Fields Forever,” “Penny Lane,” et “A Day In The Life” plus La fabrication du Sgt. Poivre, un film documentaire restauré et inédit (diffusé en 1992), présentant des interviews perspicaces avec McCartney, Harrison et Starr, et des séquences en studio présentées par George Martin.

(Voir la liste complète des pistes ci-dessous)

Tout comme de nombreuses idées sont suscitées par le hasard, ‘Sgt. Poivre« ... Pepper. Le concept de qui pourrait être un tel personnage a pris racine dans l'esprit de Paul, s'épanouissant avec l'imagination des Beatles en tant que fanfare militaire de l'ère édouardienne. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.” La source créative des Beatles’ pour ‘Sgt. Poivre‘ provenait également d'une myriade de sources telles que The Beach Boys’ Sons d'animaux album, une affiche de cirque victorien (“Being For The Benefit Of Mr. Kite !”), une publicité télévisée pour les céréales du petit-déjeuner (“Good Morning Good Morning”), une image dessinée par le jeune fils de John, Julian (“Lucy In The Sky With Diamonds”), un adolescent fugueur rapporté dans les nouvelles (“She’s Leaving Home’) et les enseignements hindous (“Within You Without You”).

En utilisant l'équipement d'enregistrement à quatre pistes standard de l'époque, les Beatles ont collaboré avec le producteur George Martin pour réaliser «l'impossible, comme ils l'appelaient, d'aller aussi loin que possible avec des arrangements et une nouvelle technologie à réaliser. leur vision collective de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Comme George Martin l'a décrit, "Nous étions dans une autre forme d'art où vous mettiez quelque chose sur bande qui ne pouvait être fait que sur bande." Les Beatles ont passé plus de 400 heures dans le studio 2 d'Abbey Road à enregistrer l'album, les sessions de bouclage en avril 1967.

L'illustration vibrante de l'album, y compris sa couverture Pop Art extravagante qui trouve les Beatles entourés d'une foule de héros dans un collage 3D, a été créée par Peter Blake et Jann Haworth en collaboration avec le groupe. L'œuvre d'art originale est présentée dans la suite de versions de l'édition anniversaire, y compris la feuille détachable de l'album ‘Sgt. Poivre‘ découpes.

Logé dans une boîte de 12 pouces sur 12 pouces avec des illustrations lenticulaires et deux affiches bonus, l'ensemble Super Deluxe de six disques est présenté avec un livre à couverture rigide de 144 pages. Le livre comprend de nouvelles introductions de Paul McCartney et Giles Martin, et des chapitres couvrant des détails complets chanson par chanson et des informations sur l'enregistrement, la conception de la couverture, les innovations musicales de l'album et son contexte historique par l'historien, auteur et producteur de radio des Beatles. Kevin Howlett compositeur et musicologue Howard Goodall producteur de musique et écrivain Joe Boyd et les journalistes Ed Vulliamy et Jeff Slate, illustrés de photographies rares, de reproductions de paroles manuscrites, de documentation d'Abbey Road Studios et d'original ‘Sgt. Poivre‘ annonces imprimées.

Le digipack Deluxe 2CD est emballé avec un livret de 50 pages abrégé du livre du coffret, et le vinyle 2LP Deluxe est présenté dans une reproduction fidèle de la jaquette gatefold originale de l'album.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band Édition anniversaire
Listes de pistes

CD
(‘Sgt. Poivre‘ 2017 Mixage Stéréo)
1. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
2. Avec un peu d'aide de mes amis
3. Lucy dans le ciel avec des diamants
4. Devenir meilleur
5. Réparer un trou
6. Elle quitte la maison
7. Être au profit de M. Kite !
8. En vous sans vous
9. Quand j'ai soixante-quatre ans
10. Belle Rita
11. Bonjour Bonjour
12. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13. Un jour dans la vie

CD 1: ‘Sgt. Poivre‘ 2017 Mixage Stéréo (identique à la liste des pistes de CD d'un seul disque, ci-dessus)

CD 2: Compléter les premières prises des sessions dans le même ordre que l'album, ainsi que diverses versions de “Strawberry Fields Forever” et “Penny Lane”
1. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band [Take 9]
2. Avec un peu d'aide de mes amis [Take 1 – False Start And Take 2 – Instrumental]
3. Lucy dans le ciel avec des diamants [Prendre 1]
4. S'améliorer [Take 1 – Instrumental And Speech At The End]
5. Réparer un trou [Discours et prise 3]
6. Elle quitte la maison [Take 1 – Instrumental]
7. Être au profit de M. Kite ! [Prendre 4]
8. En vous sans vous [Take 1 – Indian Instruments]
9. Quand j'ai soixante-quatre ans [Take 2]
10. Belle Rita [Discours et prise 9]
11. Bonjour Bonjour [Prendre 8]
12. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise) [Take 8]
13. Un jour dans la vie [Take 1 With Hummed Last Chord]
14. Strawberry Fields Forever [Prendre 7]
15. Strawberry Fields Forever [Take 26]
16. Strawberry Fields Forever [Mélange stéréo – 2015]
17. Penny Lane [Take 6 – Instrumental]
18. Penny Lane [Mélange stéréo – 2017]

CD 1: ‘Sgt. Poivre‘ 2017 Mixage Stéréo (identique à la liste des pistes de CD d'un seul disque, ci-dessus)

CD 2: Compléter les premières prises des sessions, séquencés par ordre chronologique de leurs premières dates d'enregistrement
1. Strawberry Fields Forever [Prendre 1]
2. Strawberry Fields Forever [Take 4]
3. Strawberry Fields Forever [Prendre 7]
4. Strawberry Fields Forever [Take 26]
5. Strawberry Fields Forever [Mélange stéréo – 2015]
6. Quand j'ai soixante-quatre ans [Take 2]
7. Penny Lane [Take 6 – Instrumental]
8. Penny Lane [Overdubs vocaux et discours]
9. Penny Lane [Mélange stéréo – 2017]
10. Un jour dans la vie [Prendre 1]
11. Une journée dans la vie [Take 2]
12. Une journée dans la vie [Orchestra Overdub]
13. Un jour dans la vie (Hummed Last Chord) [Prend 8, 9, 10 et 11]
14. Un jour dans la vie (Le dernier accord)
15. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band [Take 1 – Instrumental]
16. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band [Take 9 And Speech]
17. Bonjour Bonjour [Take 1 – Instrumental, Breakdown]
18. Bonjour Bonjour [Prendre 8]

CD 3: Compléter les premières prises des sessions, séquencés par ordre chronologique de leurs premières dates d'enregistrement
1. Réparer un trou [Prendre 1]
2. Réparer un trou [Discours et prise 3]
3. Être au profit de M. Kite ! [Discours d'avant la prise 1 prise 4 et discours à la fin]
4. Être au profit de M. Kite ! [Prendre 7]
5. Belle Rita [Discours et prise 9]
6. Lucy In The Sky With Diamonds [Prendre 1 et discours à la fin]
7. Lucy dans le ciel avec des diamants [Discours, faux départ et prise 5]
8. S'améliorer [Take 1 – Instrumental And Speech At The End]
9. Devenir meilleur [Prendre 12]
10. En vous sans vous [Take 1 – Indian Instruments Only]
11. En toi sans toi [George coachant les musiciens]
12. Elle quitte la maison [Take 1 – Instrumental]
13. Elle quitte la maison [Take 6 – Instrumental]
14. Avec un peu d'aide de mes amis [Take 1 – False Start And Take 2 – Instrumental]
15. Le sergent. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise) [Discours et prise 8]

CD 4: ‘Sgt. Poivre‘ et pistes bonus en Mono
(Pistes 1-13 : 2017 Transfert direct de ‘Sgt. Poivre‘ Original Mono Mix)
14. Strawberry Fields Forever [Original Mono Mix]
15. Penny Lane [Original Mono Mix]
16. Un jour dans la vie [Premier mix mono inédit]
17. Lucy In The Sky With Diamonds [Mix Mono Inédit – No. 11]
18. Elle quitte la maison [Premier mix mono inédit]
19. Penny Lane [Capitol Records US Promo Single – Mono Mix]

DISQUES 5 & 6 (Blu-ray & DVD)
Caractéristiques audio (les deux disques):
– Nouveaux mixages audio surround 5.1 de ‘Sgt. Poivre‘ album et “Penny Lane,” plus 2015 5.1 Surround mix de “Strawberry Fields Forever” (Blu-ray : DTS HD Master Audio 5.1, Dolby True HD 5.1 / DVD : DTS Dolby Digital 5.1)
– Versions audio haute résolution de 2017 ‘Sgt. Poivre‘ mix stéréo et 2017 “Penny Lane” mix stéréo, plus 2015 “Strawberry Fields Forever” stéréo mixage haute résolution (Blu-ray : LPCM Stereo 96KHz/24bit / DVD : LPCM Stereo)
Fonctionnalités vidéo (les deux disques):
La fabrication du Sgt. Poivre [film documentaire de 1992 restauré, inédit]
– Films promotionnels : “A Day In The Life” “Strawberry Fields Forever” “Penny Lane” [4K restauré]

"C'est fou de penser que 50 ans plus tard, nous revenons sur ce projet avec tant d'affection et un peu d'étonnement devant la façon dont quatre gars, un grand producteur et ses ingénieurs ont pu créer une œuvre d'art aussi durable", 8221 dit Paul McCartney dans sa nouvelle introduction pour le ‘Sgt. Poivre‘ Édition anniversaire.

“‘Sgt. Poivre« .


John Lennon : chant, guitare électrique, guitare acoustique, piano, orgue Hammond, cowbell
Paul McCartney : chant, guitare électrique, basse, piano, orgue Lowery
George Harrison : chant, guitare électrique, guitare acoustique, harmonica, tambura, sitar, maracas
Ringo Starr : chant, batterie, harmonica, tambourin, maracas, congas, bongos, carillons
George Martin : orgue Hammond, orgue Lowery, piano, pianette, clavecin, harmonium, glockenspiel
Mal Evans : harmonica, orgue Hammond, piano, réveil
Neil Aspinall : harmonica, tambura
Erich Gruenberg, Derek Jacobs, Trevor Williams, José Luis Garcia, Alan Loveday, Julien Gaillard, Paul Scherman, Ralph Elman, David Wolfsthal, Jack Rothstein, Jack Greene, Granville Jones, Bill Monro, Jurgen Hess, Hans Geiger, D Bradley, Lionel Bentley, David McCallum, Donald Weekes, Henry Datyner, Sidney Sax, Ernest Scott : violon
John Underwood, Stephen Shingles, Gwynne Edwards, Bernard Davis, John Meek : alto
Dennis Vigay, Alan Dalziel, Reginald Kilbey, Allen Ford, Peter Beavan, Francisco Gabarro, Alex Nifosi : violoncelle
Cyril MacArthur, Gordon Pearce : contrebasse
Sheila Bromberg, John Marston : harpe
Robert Burns, Henry MacKenzie, Frank Reidy, Basil Tschaikov, Jack Brymer : clarinette
Roger Lord : hautbois
N Fawcett, Alfred Waters : basson
Clifford Séville, David Sanderman : flûte
Barrie Cameron, David Glyde, Alan Holmes : saxophone
David Mason, Monty Montgomery, Harold Jackson : trompette
Raymond Brown, Raymond Premru, T Moore, John Lee : trombone
Alan Civil, Neil Sanders, James W Buck, Tony Randall, John Burden, Tom (nom de famille inconnu) : cor français
Michael Barnes : tuba
Tristan Fry : timbales, percussions
Marijke Koger : tambourin
Musiciens inconnus : dilruba, svarmandal, tabla, tambura

Le huitième album britannique des Beatles a provoqué un changement radical dans la musique populaire. Enregistré en plus de 400 heures sur une période de 129 jours, Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band a contribué à définir le Summer of Love de 1967 et a été immédiatement reconnu comme un grand pas en avant pour la musique moderne.

L'ambiance de l'album était dans l'air du temps, parce que nous-mêmes étions dans l'ambiance de l'époque. L'idée n'était pas de faire quoi que ce soit pour répondre à cette humeur - nous étions de toute façon dans cette humeur. Et il n'y a pas que l'ambiance générale de l'époque qui nous a influencés, je cherchais des références plus marginales. L'ambiance réelle de l'époque était plus susceptible d'être The Move, ou Status Quo ou autre - alors qu'en dehors de tout cela, il y avait ce mode avant-gardiste, qui, je pense, arrivait dans Poivre.

Il y avait certainement un mouvement de personnes. Tout ce que je dis, c'est que nous n'essayions pas vraiment de répondre à ce mouvement - nous en faisions simplement partie, comme nous l'avons toujours été. Je maintiens que les Beatles n'étaient pas les leaders de la génération, mais les porte-parole. Nous ne faisions que ce que les enfants des écoles d'art faisaient tous. C'était une époque sauvage, et j'ai l'impression que c'est un décalage temporel – nous étions là dans un pays des sorciers magique avec des vêtements en patchwork de velours et des bâtons d'encens enflammés, et nous voici maintenant sobrement habillés.

Encore plus que son prédécesseur, Revolver, Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band a vu les Beatles repousser les limites du studio, créant des sons qui n'avaient jamais été entendus auparavant. Ils ont largement utilisé des orchestres et d'autres musiciens embauchés, et ont combiné une variété de styles musicaux, notamment le rock, le music-hall, le psychédélisme, le classique indien traditionnel et occidental.

Des tourbillons forains de « Being For The Benefit Of Mr Kite ! » à la bousculade animale qui clôt « Good Morning Good Morning », Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band a signalé au monde que les Beatles n'étaient plus les adorables vadrouilles d'autrefois, peu disposées à chanter de simples chansons d'amour et à se produire pour des foules plus intéressées à crier qu'à écouter.

Au cœur de Sgt Poivre est le son de l'arrière-plan anglais des Beatles, avec des histoires de filles fugueuses, d'attractions de cirque, de chalets de vacances sur l'île de Wight, de violence domestique, de rénovations domiciliaires, Courrier quotidien des reportages, des souvenirs de l'école et de la littérature d'enfance préférée - loin des richesses dont ils jouissaient en tant que quatuor le plus célèbre de la planète, mais se souvenant du passé et se demandant ce que l'avenir leur réserverait.

Avant la sortie de Sgt Poivre, cependant, de nombreux commentateurs pensaient que les Beatles étaient finis en tant que groupe. Ils avaient cessé leurs tournées et s'étaient largement retirés de la vue du public, et « Penny Lane »/« Strawberry Fields Forever » n'avaient pas réussi à se hisser en tête du classement des singles au Royaume-Uni après sa sortie en février 1967.


5 Le vrai message en arrière de Pink Floyd

Mettre des messages à rebours dans la musique (également connu sous le nom de "backmasking") était à la mode dans les années 80 - et par "toute la rage" nous entendons "le sujet des enquêtes du Congrès". Des groupes tels que Judas Priest et Led Zeppelin ont été accusés d'inclure des messages de contrôle mental satanique subliminaux dans leurs chansons, dans ce qui était sans aucun doute l'une des paniques morales les plus stupides de l'histoire américaine.

Les "messages sataniques", bien sûr, étaient de la merde complète, car il est pratiquement impossible de chanter ou de dire délibérément quelque chose qui soit intelligible à la fois en avant et en arrière. C'est pourquoi la plupart des messages allégués sonnent comme si le chanteur avait une crise. Mais backmasking a été utilisé intentionnellement par des groupes comme les Beatles. surtout parce que ça a l'air cool. Ils n'ont jamais eu l'intention de cacher quoi que ce soit : c'était pour des raisons purement esthétiques.

En 1979, Pink Floyd est devenu le premier groupe populaire à inclure un message inversé qui était en fait destiné à être caché. Dans la première moitié de leur album classique The Wall, la chanson "Empty Spaces" contient ce qui ressemble à un marmonnement lorsqu'on l'entend vers l'avant, mais est en fait un discours étouffé qui se révèle lorsqu'il est inversé. N'importe quel citoyen soucieux désespéré de trouver quelque chose à propos duquel il pourrait être indigné a dû être assez excité quand il a atteint cette partie. jusqu'à ce qu'il entende ce qu'il dit (montez vos haut-parleurs):

"Bonjour, chasseurs. Félicitations. Vous venez de découvrir le message secret. Veuillez envoyer votre réponse à Old Pink, aux soins de la Funny Farm, Chalfont--"

. puis l'orateur est interrompu par une voix féminine disant que quelqu'un est au téléphone. Pas exactement "LIVRE TON ANUS A SATAN". Nous avons peur que ce soit à peu près aussi excitant que de vrais cas de backmasking - à moins que vous ne comptiez le groupe de grunge Ash cachant une chanson entière sur leur premier album, Bande-annonce. Lorsqu'il est inversé, décalé et accéléré, le bruit à la fin de la piste 5 s'avère en fait être une piste de démonstration d'une autre chanson de l'album. Qu'est-ce qu'il y a de si chouette là-dedans ? L'album est sorti en 1994, alors que le coût de l'équipement audio et/ou du logiciel pour écouter la chanson l'aurait mis hors de portée de la grande majorité des auditeurs. C'est plusieurs couches de caché. Tout cela serait bien plus impressionnant si quelqu'un savait ou se souciait réellement de qui était Ash.


Voir la vidéo: Le Vrai VISAGE des PERSONNAGES HISTORIQUES


Commentaires:

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    Je suis désolé, que j'interfère, mais je suggère d'en faire un autre.

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